Colombia alista celebración a Celia Cruz, en el marco del VIII Festival Mundial de Salsa

Colombia alista celebración a Celia Cruz, en el marco del VIII Festival Mundial de Salsa, la ciudad e Cali recordará el décimo aniversario del fallecimiento de la cubana con un concierto

 

 

Bogotá.-  La ciudad colombiana de Cali rendirá un homenaje a la fallecida cantante cubana Celia Cruz con un concierto con motivo del décimo aniversario de su fallecimiento, que se cumple mañana.

El concierto se llevará a cabo el próximo 11 de agosto en el marco del VIII Festival Mundial de Salsa, según anunció hoy María Helena Quiñonez, Secretaria de Cultura y Turismo de Cali, ciudad que se considera la "capital mundial de la salsa".

La "Guarachera de Cuba" o "La Reina de la Salsa" falleció el 16 de julio de 2003 en Fort Lee, ciudad del estado estadounidense de Nueva Jersey vecina a Nueva York.

La idea del concierto, que ha sido denominado "Tributo a Celia Cruz", es del periodista y escritor caleño Umberto Valverde, biógrafo de la "Reina Rumba", quien escogió para dirigir musicalmente el evento al arreglista, compositor y productor José Aguirre, uno de los pocos premios Grammy obtenidos por la salsa caleña.

Valverde afirmó hoy a Efe que "el concierto es una propuesta local para cerrar un evento que siempre ha contado con artistas extranjeros de la talla de Ismael Miranda o Ray de la Paz" y que su estructura musical seguirá el guión de un libro que escribió en 1981, titulado "Reina Rumba".

"En el concierto no pretendemos imitar a Celia Cruz porque con ella no hay antes ni después", concluyó el escritor.

El homenaje a Celia Cruz estará a cargo de cuatro intérpretes que cantarán las canciones que hizo famosas la artista cubana en su paso por orquestas emblemáticas como la Sonora Matancera y la Fania All Stars.

Adriana Chamorro, Francia Elena Barrera, Carmen Eugenia González y Diana Serna (que compartió tarima con Celia Cruz y la Fania), serán las vocalistas en el homenaje en el que se podrá escuchar clásicos como "La Negra tiene Tumbao", "La vida es un carnaval", "Oye como va" y "Bemba Colorá", entre muchos otros éxitos de la artista cubana.

 

 

EFE - Agencia EFE - Todos los derechos reservados. Está prohibido todo tipo de reproducción sin autorización escrita de la Agencia EFE S/A.

José Alberto "El Canario" y Carlos Guerrero son algunos famosos que se presentarán en el "Congreso de la Salsa", que se llevará a cabo del 24 al 28 de julio en Miami

José Alberto "El Canario" y Carlos Guerrero son algunos famosos que se presentarán en el "Congreso de la Salsa", que se llevará a cabo del 24 al 28 de julio en Miami

Miami se convertirá del 24 al 28 de julio en la capital de la música tropical con el "Congreso de la Salsa", en el que actuarán exponentes como José Alberto "El Canario", Carlos Guerrero, exvocalista de Grupo Niche, Ray de la Paz y Edwin Bonilla y su Son.

El foro contará con exhibiciones de danza, talleres, fiestas non-stop de baile, y galas nocturnas espectaculares en el Centro de Convenciones de Miami Beach, informaron los organizadores.

Este congreso es considerado como uno de los festivales más grandes de su tipo en la costa Este de Estados Unidos y entre los primeros cinco eventos salseros más importantes del mundo.

El evento contará además con la actuación del grupo S2Son, mientras que Dante Vargas and The Cat Band realizarán un "Tributo a la Salsa Colombiana", de acuerdo al programa.

Dos grandes luminarias de la música tropical se han reservado para los últimos días de fiesta: Ray de la Paz y José Alberto "El Canario".

Durante el día, se realizarán talleres, clases de baile, Pool Parties y After Parties, en el Miami Beach Resort & Spa de Miami Beach.

Para este encuentro, se presentarán más de 500 bailarines profesionales de todas partes del mundo, incluidos Estados Unidos, Colombia, Venezuela, Canadá, Puerto Rico, Cuba, República Dominicana, Nueva Zelanda, Luxemburgo y Japón, entre otros.


 Tomado de Star Media

Mausoleo Celia Cruz estuvo abierto este martes en décimo aniversario de su muerte

Mausoleo Celia Cruz estuvo abierto este martes en décimo aniversario de su muerte

Los seguidores de Celia Cruz pudieron visitar su mausoleo en el condado de El Bronx, en Nueva York, al conmemorarse el décimo aniversario de la muerte de la "reina de la salsa", una década en que se han visto privados de su inigualable voz, su energía y de su "Azúcar" con los que provocó furor.

La Guarachera de Cuba fue sepultada en el antiguo cementerio Woodlawn, declarado patrimonio histórico en 2012, tras su muerte el 16 de julio de 2003 al perder su batalla contra el cáncer, y tres años y medio más tarde fue enterrada junto a ella su "cabecita de algodón", como llamaba a su esposo, Pedro Knight.

Cruz había elegido como su morada final el Woodlawn, donde descansan los retos de otros famosos como el trompetista Miles Davis, el editor Joseph Pulitzer, conocido por los premios que llevan su nombre, y el pianista Duke Ellington, y mañana estará abierto entre diez de la mañana y cuatro de la tarde, según informó Omer Pardillo, presidente de la Fundación Celia Cruz y ejecutor del testamento y del legado de la intérprete.

El mausoleo ha sido un lugar visitado frecuentemente por los seguidores de la guarachera, que le dejan flores, mensajes y hasta un pastel en el pasado aniversario de su cumpleaños.

"Celia fue como familia para mí y en esos diez años no ha aparecido nadie que se le acerque y creo que nunca lo habrá", dijo a Efe el músico y cantautor Willie Colón, con quien la cantante grabó tres discos, el primero de ellos, "Solamente ellos pudieron hacer este disco", a inicios de la década de 1970.

Los otros dos discos juntos fueron "Celia y Willie" y "The Winners", además de que ambos compartieron escenarios con la legendaria Fania All Stars.

La interprete de "Bemba colorá", "La negra tiene tumbao" y "Guantanamera", entre otros muchos éxitos, fue admirada por muchos de sus compañeros músicos y fue un ejemplo a seguir para muchos que desarrollaban su carrera cuando la cubana se había dado a conocer.

El salsero puertorriqueño Domingo Quiñones recordó que uno de los primeros discos que escuchó y que lo hicieron "enamorar de la música" fue "Celia y Johnny" (1974), de Celia Cruz y el músico y compositor dominicano Johnny Pacheco.

Enfatizó que temas como "Cúcala" y "Tus paisajes" le hicieron admirar el género cubano del son montuno y luego indagar más sobre la música cubana.

El artista boricua resaltó que la Fania All Stars, conocida por muchos como la orquesta de salsa de mayor éxito en la historia, no hubiera tenido tanto impacto si no fuera por la inclusión de Cruz.

"Celia marcó una época y de ella adquirí conocimiento de interpretación", sostuvo Quiñones a Efe y aseguró que la Fania "no hubiera sido lo mismo si ella no hubiera estado desde el principio".

Cruz, recordada además por su sonrisa y amor incondicional a su público, reinó mucho más allá del mercado latino hablando sólo español. Su potente voz, su música fueron suficientes para ser admirada y también respetada en el mundo de la salsa, dominado por hombres.

"En el escenario Celia no tenía edad", señaló en una ocasión la también cantante cubana Gloria Estefan, quien también ha destacado la generosidad de la artista.

Tras la muerte de Cruz, Pardillo ha sido el responsable de mantener vivo su legado a través de la fundación, de la orquesta Celia Cruz All Star, que interpreta los temas que convirtió en éxitos, y otras iniciativas, que incluyen planes para construir un museo donde se exhiban de forma permanente sus coloridas pelucas, sus vestidos, sus peculiares zapatos de plataforma y premios.

La discográfica Sony, junto con la Fundación Cruz, también le rendirá tributo al cumplirse una década de su muerte con la publicación a finales de mes del disco "The Absolute Collection-Deluxe Book Version", que esta compañía describe como "un viaje visual y tras bastidores a la vida personal y artística de este icono", que se mantuvo seis décadas sobre los escenarios.

Las canciones, remasterizadas, representan diversas épocas importantes de su carrera y la mayoría proviene del extenso catálogo de la legendaria compañía de discos Fania para la que realizó la mayoría de sus históricas grabaciones, señala un comunicado de Sony.

Esta edición de colección también incluye comentarios inéditos de admiradores de Cruz, los también famosos Marc Anthony, Beyonce, Quincy Jones, Whoopi Goldberg, Pitbull, Rita Moreno, David Byrne y Gloria Estefan, entre otros.
 

 

EFE - Agencia EFE - Todos los derechos reservados. Está prohibido todo tipo de reproducción sin autorización escrita de la Agencia EFE S/A.

Willie González vuelve a Lima

Willie González, cantante, compositor y músico portorriqueño que marcó el inicio de la salsa sensual allá por los 90s, vuelve a nuestro país en visita fugaz para presentarse en la fiesta por el 12 Aniversario del Karamba Latin Disco este viernes 19 de julio.

Muchos de sus éxitos marcaron la pauta en la historia de la salsa. Así, tenemos: “Pequeñas cosas”, “No es casualidad”, “No podrás escapar de mí”, “Hazme olvidarla”, “Si supieras”,  “Quiero morir en tu piel”, entre tantos otros que hicieron cantar al público de toda América Latina y que están siempre presentes en todas sus presentaciones.

En una nueva etapa de su carrera artistica, Willie González, bajo la dirección musical del productor Diego Galé, lanza al mercado musical un nuevo producto el cual viene acompañado de dos temas inéditos: “Ahora soy yo”, del compositor John William Upegui, y “Qué estás buscando”, del compositor Alex Witteveen, los cuales les presentan un adelanto del próximo trabajo.

Las entradas para ver a Willie González en el Karamba Latin Disco ya están a la venta en Teleticket, desde los S/.30.

tomado de Agendame digital

Poncho Sánchez promete concierto sabroso de Latin Jazz y Salsa en Lima

Concierto será en el Centro de Convenciones María Angola. Ácido Producciones aseguró el concierto del percusionista Poncho Sánchez, porque el ganador del Grammy les ha cedido  los derechos de autor para este evento, como respuesta a un comunicado de la Apdayc que señalaba que estaban impedidos de usar el repertorio administrado por la Asociación Peruana de Autores y Compositores.

"Ninguna asociación privada puede cancelar un evento, al enviar ese tipo de comunicados a la opinion publica, está afectando la imagen de la Productora y el desarrollo de nuestro evento, por lo que tendrá  que responder por las consecuencias", comentó Ximena Jimenez, organizadora del concierto.

GANADOR DE GRAMMY LATINO

Nacido en Estados Unidos, pero de padres mexicanos,  Pablo Sánchez (su verdero nombre) tuvo una formación autodidacta, sin embargo es considerado como uno de los más grandes percusionistas de Latin Jazz. Se inició en la música desde niño tocando guitarra, flauta, batería y timbales. Posteriormente se interesó por el canto hasta descubrir su verdadera pasión: Las congas.

Desde 1982 hasta la fecha, "Poncho" ha grabado más de 24 discos, con colaboraciones excepcionales. Su larga lista de discos le ha hecho merecedor de premios, reconocimientos  a su trabajo. De su obra en solitario, Sánchez ha interpretado con artistas y grupos como Cal Tjader, Mongo Santamaría, Hugh Masekela, Clare Fischer, Tower of Power, Terence Blanchard, entre otros.

En el año 2000 se adjudicó un Grammy Award For Best Latin Jazz por su álbum “Latin Soul”.  Su trabajo musical se distingue por un  sonido que combina ritmos afrocubanos y el jazz.

Luego de su recuperación  tras sufrir un paro respiratorio, que le obligó a postergar diferentes presentaciones,  el  destacado percusionista PONCHO SANCHEZ, llegó a Lima para su esperado concierto en el CC María Angola, este sabado 13 de Julio.

SU RELACIÓN CON EL PERÚ

No es la primera vez que Poncho Sánchez llega a nuestra capital y aunque admite conocer poco de los músicos peruanos, admira a nuestro gran percusionista Alex Acuña, quien tocó en sus dos primeras grabaciones y lo considra como uno de los mejores percusionistas del mundo.  Así mismo se refirió a Bebo Valdés como el mejor pianista y arreglista de la música cubana?

Sobre su visita al Perú, recordó que la última vez que vino a nuestro país fue por un corto tiempo y que comió cebiche y le pareció excelente potaje.

¿ Que es lo que nosotros podemos esperar de tu show en Lima?
Un poco de lo antiguo y Nuevo de mi música que consiste en Latin Jazz , Salsa , Latin Soul Music. La música es para todos desde los más antiguos a los más jóvenes .

Tomado de RPP Noticias

Cheo Feliciano es dado de alta

El salsero puertorriqueño fue trasladado de emergencia al hospital el 26 de junio y fue ingresado por una pulmonía por la que recién había sido dado de alta un día antes.




Cheo Feliciano salió del hospital al que ingresó hace más de dos semanas y ya se encuentra en su casa.
"Hogar dulce hogar, así dijo Cheo Feliciano cuando piso anoche la entrada de su casa en conjunto con su manejadora y esposa Cocó Feliciano", dice un comunicado emitido hoy por su agente artístico, Richie Viera, según el cual el artista fue dado de alta el jueves por la tarde del hospital Pavia en Santurce.

El salsero puertorriqueño fue trasladado de emergencia al hospital el 26 de junio y fue ingresado por una pulmonía por la que recién había sido dado de alta un día antes. Por esos días, el intérprete de éxitos como "Una en un millón", "Mi promesa" y "Contigo aprendí" había anunciado que padece "una forma de cáncer tratable", pero no especificó de qué tipo.

"Fueron 15 días de hospitalización donde estuvo recuperándose de la pulmonía y en donde celebró su cumpleaños, ya gracias a Dios, a los galenos y el cuidado de los enfermeros se recuperó de la pulmonía y ya esta en su casa", dijo Viera en la misiva, en la que se agradecieron "todas las oraciones de todos sus amigos, fanáticos, colegas del mundo entero".

Feliciano recibió en el 2008 el Premio a la Excelencia Musical de la Academia Latina de la Grabación.

Sus éxitos también incluyen, entre otros, "Anacaona", "Amada mía" y su dueto con Celia Cruz "Encantado de la vida".

Tomado de Diario Primera Hora

Rubén Blades critica el "robo descarado" de las disqueras

Rubén Blades arremete contra industria musical

Rubén Blades critica el "robo descarado" de disqueras

El artista recuerda que lleva décadas peleando "para ser dueño de mis masters de Fania".

El artista y expolítico Rubén Blades arremetió contra las discográficas porque "se quedan con los discos de los artistas", lo que considera "uno de los robos más descarados de la historia" y le ha impulsado a grabar sus éxitos con la compañía Fania para poder legar a su familia los derechos.

"Si usted va a un banco y pide un préstamo para comprar una casa, el banco le deja la plata, usted le paga los intereses y lo que le debe. Cuando usted cubre el préstamo, la casa es suya. Con los discos no", explicó Blades en una conferencia que dio en Nueva York en el marco de la Conferencia de Música Latina Alternativa.

"La compañía avanza el dinero para hacer el disco, nos quitaba la plata de las regalías y cuando cubría el costo de la inversión, el disco también era de la compañía todavía", ha seguido, con el fin de argumentar uno de sus proyectos profesionales: volver a grabar sus éxitos de juventud bajo el sello de Fania para tener en propiedad los derechos de algunas de sus canciones más reclamadas.

"Lo estoy haciendo para ser dueño de mis masters de Fania. Estoy regrabándolo todo. Gracias a Dios tengo voz para hacerlo. Cuando yo me muero le dejo eso a mi familia y quien quiera podrá tener el original que lo tendrá Fania, o la gente que lo tenga ahora, y también yo lo tengo", explicó.

Blades, como otras de las estrellas de la salsa que alumbró este sello discográfico, lleva décadas con agrias polémicas a este respecto con Fania, y este es su último intento por recuperar la propiedad intelectual de sus temas más famosos, los que le convirtieron en abanderado de la "salsa intelectual".
"Hubo un momento en el que las canciones eran sobre el amor, el amor, el amor... o el tipo que me traicionó, sobre 'tú vas a ver que yo te voy a agarrar'. Nosotros empezamos a escribir sobre otras cosas, y eso fue lo que hizo de "Siembra" el primer disco en vender un millón de copias en salsa. Lo compró todo el mundo, no solo el que bailaba o el que vive en el barrio. La moraleja "la vida te da sorpresas" le pasa a todo el mundo", afirmó.

Y Blades, luchador y elocuente como ha sido siempre, también tuvo palabras para la política, ese oficio que quiso desempeñar y le llevó a las elecciones por la presidencia de Panamá en 1994 y a ocupar el puesto de ministro de Turismo en 2004.

"Una de las formas de acabar con la corrupción es reemplazándola por algo que sirva. A la gente se le pregunta '¿y usted no entra a la política? Y contestan: 'No eso es una mierda'. ¿Cómo vas a cambiar la mierda, en qué lo vas a transformar?", preguntó.

"La cosa está podrida porque no participamos. Así de simple. ¿Que es difícil? Difícil es vivir sabiendo que está mal la cosa y no hacer nada", concluyó el artista que piensa grabar un disco de boleros con Paco de Lucía a la guitarra. "Es algo que siempre quise hacer. Hablé con Paco y dejé claro que lo vamos a hacer. Es un genio, un monstruo", asegura.

En cine, otra de sus pasiones en la que, además, no ha llegado a consagrarse, rodará en otoño al lado del ganador de dos premios Óscar Robert De Niro la película "Hands of Stone", la biografía del boxeador panameño Roberto Durán, a quien dará vida Edgar Ramírez. "De Niro será el entrenador, Ray Arcel, y yo el mánager de Durán", explicó.

 

EFE - Agencia EFE - Todos los derechos reservados. Está prohibido todo tipo de reproducción sin autorización escrita de la Agencia EFE S/A.

Celia Cruz Una década después de su muerte, la artista sigue siendo considerada como "La Reina de la Salsa".

Celia Cruz, diez años de su muerte

Diez años sin Celia Cruz

Una década después de su muerte, la artista sigue siendo considerada como "La Reina de la Salsa".

 

 

 

 

 

La poderosa voz que inmortalizó el inconfundible grito de "¡Azúcar!", símbolo de la salsa cubana, calló para siempre hace diez años, dejando huérfano al género musical de una de sus mayores artistas, la inimitable Celia Cruz.

Conocida como "La Reina de la Salsa", Cruz hizo bailar al mundo con sus vestidos de colores alegres, el dinámico contoneo de caderas característico de la música latina, y pegadizos temas que en parte versionó, desde el mambo de Tito Puente "Oye cómo va" a la canción popular cubana "Guantanamera".
Nacida Úrsula Hilaria Celia de la Caridad Cruz Alfonso, en su trayectoria obtuvo siete premios Grammy y una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en 1987, a lo largo de una carrera en la que también internacionalizó melodías propias, como "La negra tiene tumbao", "Quimbara" o "La vida es un carnaval".

Celia Cruz jamás reveló en vida su edad real ante los medios, por lo que son muchos los que divergen al fechar su nacimiento en 1920, 1924 o 1925; años que precedieron a una infancia en La Habana con sus padres, hermanos y primos, quienes conformaban una familia cuyas raíces descansaban en antepasados afrocubanos.

En una entrevista a The New York Times, la cantante confesó que su intención inicial era ser "madre, profesora y ama de casa", aunque descartó este método de vida en 1950, cuando se convirtió en la líder del grupo La Sonora Matancera y dio comienzo oficial a su carrera en el mundo de la música.

Diez años después, el grupo al completo abandonó Cuba, tras el ascenso al poder de Fidel Castro, y en 1962 Cruz se casó con uno de los trompetistas de la banda Pedro Knight, iniciando un matrimonio que duró 41 años, hasta la muerte de la célebre cantante.

Una anécdota recurrente, recogida en sitios web y en libros infantiles sobre la vida de Celia Cruz, narra un día en el que la artista tomaba café en un restaurante y el camarero le preguntó si quería azúcar: "¿Azúcar? ¿Cómo puede preguntarme eso? ¡Soy cubana! Sí, ¡con azúcar!", en un particular arrebato que sentaría las bases de su grito más famoso.

Otro de los iconos referentes que Celia Cruz popularizó fueron sus zapatos, de tacón invertido, de los que tenía más de 60 pares creados exclusivamente para ella, y que con el tiempo su fama ha propiciado que los rescaten personalidades como Lady Gaga.

La Sonora Matancera, ya asentada en Estados Unidos, se mantuvo durante quince años hasta su disolución en 1965, fecha en la que Celia asumió su carrera como solista y su marido desempeñó el papel de representante, como nuevo paso en una trayectoria que contaría con más de 70 discos grabados.

El séptimo arte ha incluido en más de 30 películas alguna canción de Celia Cruz, en cintas de temática musical, hispanoamericana o sobre mafias latinas, como "Los reyes del mambo tocan canciones de amor", "Atrapado por su pasado", "Amores perros", "Sangre y vino" o "Blue in the face".

Tras 50 años ininterrumpidos de trabajo musical, truncados en 2003 con su muerte y entierro en el Bronx, los homenajes y gestos de recuerdo a la cantante se multiplicaron, en especial en Estados Unidos, que renombró una calle de Miami en su honor y levantó una placa con su nombre entre las banderas estadounidense y cubana del Ayuntamiento de Union City, en Nueva Jersey.

Además, "La Guarachera del mundo" fue protagonista en 2011 de la tirada conmemorativa de sellos estadounidenses "Leyendas de la Música Cubana", junto a Tito Puente, Carmen Miranda, Selena y Carlos Gardel.

Celia Cruz pasó de cantante a leyenda el 16 de julio de 2003, en una semana negra para la salsa cubana que también arrebató al mundo dos días antes las cadencias musicales de los llorados Tito Duarte y Compay Segundo.

Por: Samuel Regueira

 

EFE - Agencia EFE - Todos los derechos reservados. Está prohibido todo tipo de reproducción sin autorización escrita de la Agencia EFE S/A.

 

 

 

 

Rubén Blades hará un disco de boleros

 

 

 

Los proyectos se acumulan en la agenda de Rubén Blades, cantante, poeta, actor, abogado y político panameño que, en eso de que "la vida te da sorpresas", como él cantaba, sigue afrontando retos como grabar un disco de boleros con Paco de Lucía o rodar con Robert De Niro el biopic del boxeador Roberto Durán.

"Tengo más pasado que futuro", dijo hoy Blades en una entrevista con el presidente del Grammy Latino, Gabriel Albaroa, como parte de los eventos de la Conferencia de Música Latina Alternativa.
Pero si bien es cierto que en su patrimonio pretérito está la bandera de la "salsa intelectual" en solitario o con Willie Colón, una carrera por la presidencia de su país, Panamá, o un título de abogado en la universidad de Harvard, lo venidero no se presenta menos activo.

"Todo lo que se me ocurre que tenga la oportunidad de grabar lo voy a hacer. Ya empecé", aseguró ante los presentes.

Entre los proyectos musicales que destaca está un disco de boleros con Paco de Lucía a la guitarra. "Es algo que siempre quise hacer. Hablé con Paco y dejé claro que lo vamos a hacer. Es un genio, un monstruo", asegura.

En cine, otra de sus pasiones en la que, además, no ha llegado a consagrarse, rodará en otoño al lado del ganador de dos premios óscar Robert De Niro la película "Hands of Stone", la biografía del boxeador panameño Roberto Durán, a quien dará vida Edgar Ramírez. "De Niro será el entrenador, Ray Arcel, y yo el mánager de Durán", explicó.

Blades, quien vendiera millones de discos con "Siembra" en 1978 junto a Colón, prepara un disco de su género, la salsa, pero con el tratamiento diferente que le da la colaboración de la formación vocal brasileña Boca Livre. Once temas en español y ocho en portugués conformarán este trabajo.

El tango tampoco se le resiste, pues tiene pendiente de publicación un álbum producido por Carlos Franzetti y con la orquesta de tango Leopoldo Federico, y también se dará al rock en otro disco del que no ha dado más detalles, además de regrabar muchos de los temas que hizo con el sello discográfico Fania.

Finalmente, en otoño se le podrá ver en las pantallas estadounidenses con la nueva película de Ridley Scott, "The Councelor", con un reparto de "talentos de primer orden. Están Javier Bardem, John Leguizamo, Rosie Pérez... y también otra gente como Brad Pitt", bromeó.

 

EFE - Agencia EFE - Todos los derechos reservados. Está prohibido todo tipo de reproducción sin autorización escrita de la Agencia EFE S/A.

Disquera de Rubén Blades aseguró que "Pedro Navaja" era un desastre

 

  

Los ejecutivos me dijeron que estaba loco, que el disco iba a ser la muerte comercial de Willie Colón, que no había quién lo sacara, que era un desastre, especialmente 'Pedro Navaja''



Nueva York.- Si hay una canción que identifica a Rubén Blades es "Pedro Navaja", del álbum "Siembra". Pero cuando el músico panameño se la presentó por primera vez a su disquera, hace más de 30 años, los ejecutivos la calificaron de "desastre".

"A mí los ejecutivos me dijeron que estaba loco... Dijeron que el disco iba a ser la muerte comercial de Willie Colón, que no había quién lo sacara, que era un desastre, especialmente 'Pedro Navaja'''.

Así explicó hoy Blades sus inicios a un público formado por jóvenes músicos, durante una charla con el presidente de la Academia Latina de la Grabación, Gabriel Abaroa Jr., en el marco de la Conferencia de Música Latina Alternativa (LAMC) que se celebra en Nueva York.

Lo que vaticinaron como un desastre, acabó convirtiéndose en tal éxito que "Siembra" es, con "Pedro Navaja" y más de 25 millones de copias vendidas, el disco más vendido en la historia de la salsa. El álbum era una colaboración de Blades con Colón para la famosa disquera de salsa Fania Records.

"Fue la gente quien hizo del disco un éxito", dijo Blades. "Fue algo que fue de boca a oreja. Pegó fuerte fuera de Nueva York, y eso fue importante porque demostró que Nueva York no era el centro de todo. En Venezuela, Colombia y Puerto Rico fue donde el disco agarró y la gente empezó a llamar a las emisoras para que pusieran 'Pedro Navaja'''.

Para el salsero, actor, abogado y ex político, el éxito del tema que relata la muerte de un criminal neoyorquino se debió en parte a que en vez de hablar sobre el amor como en el resto de los salseros, abordaba un tema urbano.

"Escribimos algo diferente y eso convirtió el disco en ser el primero de salsa que vendía más de un millón de copias", expresó. "Lo compraba todo el mundo, ya que el disco hablaba de la ciudad, de lo que le pasa a todo el mundo".

En este sentido, Blades animó a los jóvenes músicos presentes a "escribir tu propio material".
"Nunca se sabe lo que va o no a funcionar".


Tomado de Primera Hora

Tras el cumpleaños numero 77 de Oscar D´Leon la pagina de la salsa resalta un pequeño perfil de su vida.

Tras el cumpleaños numero 77 de Oscar D´Leon la pagina de la salsa resalta un pequeño perfil de su vida.

“Cuando sufrió el accidente en su ojo, él era el más positivo, siempre decía: ‘Vamos adelante que todo va a salir bien’, esto influyó mucho en su pronta recuperación. Es un hombre muy alegre y carismático”, así se refirió Yaneth Trejo, violinista de la orquesta, al cantante Óscar de León, en comunicación con El Espacio desde Venezuela, donde el llamado ‘Sonero del mundo’ prepara nuevos conciertos con esa alegría y entusiasmo que desborda tanto en los escenarios como en la vida personal.


Su nombre de pila es Óscar Emilio León Simoza, pero en el mundo artístico es conocido como Óscar De León o ‘El faraón de la salsa’, nacido en un día como hoy, hace 70 años, en esa Caracas de los años 40 y sus padres son Carmen Dionisia Simoza y Justo León.

Desde pequeño, el gran venezolano dio visos de ser un gran cantante y músico y fue así como en la escuela de su natal Caracas hacía sonar el pupitre como si fuera un bongó o una conga, influenciado por la Sonora Matancera y El gran Benny Moré. Una de las personas que quizás sin saberlo lo fue llevando por el camino de la salsa, fue su padre, quien escuchaba la música tropical y antillana que en ese momento sonaba y que Óscar supo guardar en su memoria, para luego ser el cantante más reconocido de esta nación suramericana.

El taxista de la salsa

Pasaron algunos años y ya en la adultez, Óscar de León, como lo bautizó su gran amigo, el arreglista y compositor Víctor Mendoza, alterna esa vocación por la música con su profesión de taxista y chofer de autobús.

“Esta época en la que Óscar ‘mataba tigres’ de día y de noche como él mismo refiere, cambió cuando casi al mismo tiempo le chocan el autobús, y el dueño del local donde tocaba de noche decide prescindir de sus servicios. Inspirado por la clave y el son de su inseparable bajo, decide ampliar la banda y conformar una auténtica orquesta de salsa, con la que nace la famosa ‘Dimensión Latina’”, reza uno de los tantos escritos que existen sobre el músico.

Jairo Martínez, manager de varios artistas, señaló que quien chocó el bus que manejaba Óscar sin saberlo le dio un aventón bien grande y mandó un gran sonero a la salsa. Pero además de conductor y músico, también fue mecánico, lo que ha sido ejemplo de que los sueños sí se pueden alcanzar.

Solo en el mundo

Los conocedores de este género musical señalan que era tanta la influencia y la importancia de Óscar de León en la ‘Dimensión Latina’ –la que creó junto al trombonista César Monje–, que para llenar su vacío en el momento de partir, trajeron a Andy Montañez, creador de ‘El Gran Combo de Puerto Rico’ –es ese momento señalada como la transferencia del siglo en la salsa–, otro ‘Titanic’ para hacer menos notoria su ausencia, mientras tanto ‘El sonero del mundo’ se abría camino con pasos agigantados en el mundo musical. “Es amante de su hogar, ama a su esposa, su vida ha sido ejemplar, es muy carismático, muy sentimental, cada vez que se sube a la tarima es como si fuera la última, se entrega en el escenario”, señala ‘Quike’ Sánchez,  coleccionista que ha seguido su trayectoria musical.

Su bajo

instrumento que el gran sonero aprendió a interpretar de manera autodidacta y que tocaba mientras sonaban los temas en los viejos vinilos.

‘Mi bajo y yo’ fue una de sus primeras composiciones y es un homenaje, como él mismo lo dice, a ese amigo inseparable con el que danza en el escenario y le hace recobrar vida.

Cabe recordar que uno de los conciertos –Festival de la salsa– más apoteósicos fue el realizado junto a su hijo en Estados Unidos, donde desde la tramoya del teatro donde se presentaba le dejan caer el bajo de color blanco e interpreta de manera magistral esa canción.

Como la frase ‘Óscar no vive de la salsa, vive para ella’, así es la vida de este sonero que dejó en el pasado las afecciones de salud que lo afectaron y que con su vigor, talento, voz magistral e improvisación ha hecho que sea hoy por hoy uno de los más grandes salseros. Solo resta decir que a “TODO SEÑOR, TODO HONOR...”



Tomado del Espacio
escrito por John Cerón

Oscar D´Leon conquista los corazones de los niños en aparicion en el film "Mi Villano Favorito 2".

Oscar D´Leon conquista los corazones de los niños en aparicion en el film "Mi Villano Favorito 2".

Oscar D´Leon, "el Faraon de la salsa", conquista los corazones de los niños en aparicion de un tema que pertenece a su repertorio, en el film "Mi Villano Favorito 2"  ; El Sonero del Mundo colocó su voz y su ritmo para darle vida al personaje “El Macho”, en una escena en la segunda entrega de la comedia animada de Universal Pictures “Mi Villano Favorito”.

El tema con el que el interprete Venezolano Oscar D´Leon, participa en la Pelicula Mi villano Favorito parte 2, actualmente en cartelera y que ha recaudado  $540 millones de dólares solo en su primera entrega, se llama "Cielito lindo, La negra mariachi medley" y realmente fué una participación en el disco de Eddie Palmieri y Tito Puente "Masterpiece Obra Maestra" del año 2000, aquí la caratula.

En el minuto 46 el antagonista de la pelicula infantil  "Macho" aparece bailando, lo cual ha servido para que miles de pequeños fanáticos salseros ya lo esten nombrando.

Al respecto D´Leon en su Twitter comentó:

 
Es la segunda participación del "Sonero del Mundo" en una cinta para niños, su primera aparición fue en "Locuras del Emperador" (The Emperor's New Groove), en el año 2000, film que tuvo una nominación al premio Oscar de la Academia, como mejor Film animado.


El film, retoma la historia de Gru, esta vez como padre de familia, quien es buscado por 'agentes secretos' para ayudar en la búsqueda de un terrorista infiltrado en la población, quien inyecta un virus en animales convirtiéndolos en monstruos agresivos.

FRUKO: EL SECRETO DEL SABOR - Homenaje a Julio Ernesto Estrada

FRUKO: EL SECRETO DEL SABOR

 

En las polvorientas memorias de la historia de la música caribeña nacional existen nombres que se llegaron a convertir en símbolos, sinónimos, fieles reflejos de fenómenos socioculturales. Personajes que gracias a su invaluable legado, juiciosamente construido a lo largo de años de constante y disciplinado trabajo, adquirieron la calidad de referentes de un país hasta en los más recónditos e inimaginables rincones del planeta. Ídolos, artífices aventajados, héroes de barrio cuyo principal poder fue su talento innato y adelantada visión para escribir páginas gloriosas de nuestra historia urbana. Entre estos artistas hay uno en particular cuya sola mención evoca un periodo, un boom, nos conduce a tararear inconscientemente una canción, a reproducir en la mente las imágenes de figuras legendarias, a recordar el logo de una compañía musical que se convirtió en pionera de nuestra industria fonográfica, pero sobre todo, a erigirlo como uno de los máximos exponentes (si no el más grande) de la salsa en Colombia. 

Para la mayoría, el nombre de Julio Ernesto Estrada Rincón no dice mucho. Quizá sea reconocido por expertos, coleccionistas y melómanos, mas no ocurre lo mismo con el radioyente casual, el salsero aficionado y el bailador. En cambio, si decimos Fruko, la cosa cambia, porque entendemos que se trata de una genuina leyenda viva de la música tropical colombiana.

Este texto no pretende otra cosa diferente a recordar hoy, el día de su cumpleaños, esa figura bonachona, tan sencilla como talentosa, a la que tanto le debe el género caribeño criollo. Tratar de brindar, a vuelo de pájaro, una corta semblanza del hombre y del músico, haciendo especial énfasis en su recorrido con Los Tesos, ya que ahondar en toda su vida artística requeriría de un escrito extenso y profundo, obra biográfica que aún no se ha escrito, o por lo menos no conozco.

Más de cinco décadas han transcurrido desde que el hijo de Baudilio Estrada y Alicia Rincón empezó a sentir el llamado de la música, pasión y virtud que heredó de su abuelo cubano Luis Felipe Rincón, quien llegó a Medellín cuando se construía el túnel ferroviario de la Quiebra; desde que sus tíos ponían a sonar los discos que eran éxitos en Radio Ondina; desde que escuchó la música sabrosa que retumbaba en las juergas nocturnas del Cumaná, el rumbeadero frente a su casa en el barrio Naranjal de la capital de la montaña; desde que le compró esa flauta metálica al compositor Crescencio Salcedo y empezó a soplar desafinadas notas de las cumbias y porros de moda en ese entonces; desde que doña Rosa de la Parra, su abuela española, lo recriminaba continuamente porque escuchaba “música para negros”; desde que le negaron el ingreso al colegio por rebelde y buscapleitos; desde que inició labores en Discos Fuentes con sus tíos Mario, Jairo y Jaime Rincón; desde que hizo estudios de solfeo, armonía y dictado en la escuela Virgilio Pineda con los maestros Manuel Cervantes, Juancho Vargas y Julio García. 

El pequeño Julio Ernesto estaba predestinado a triunfar y la fortuna fue benévola con sus sueños. Siendo apenas un niño empezó a trabajar de mandadero en la próspera compañía fonográfica paisa, llevándoles el almuerzo a sus tíos y demás empleados, y después como utilero cargando y acomodando micrófonos, cables, atriles e instrumentos musicales en el estudio. Joselito (como le decían) ya se sentía en su salsa, en el medio que le gustaba, afinando el oído con los instrumentos de percusión, aprendiendo empíricamente los secretos y técnicas de grabación en estudio, y conociendo las grandes figuras del concierto caribeño como Daniel Santos y Miguelito Valdés, entre muchas otras.

Pronto, se ganó la confianza y admiración de don Antonio Fuentes, acaso el pionero genio de la música tropical colombiana, quien reconociendo su inmenso potencial tomó la decisión, inicialmente, de dejarlo grabar a las agrupaciones novatas, y más adelante a sus estrellas incluyendo a los consentidos Corraleros de Majagual, que a la postre terminó convirtiéndose en la banda con la que debutó como músico, en 1965, ejecutando el timbal.

En sus correrías con la banda de Eliseo Herrera, Calixto Ochoa y Alfredo Gutiérrez por Venezuela, sintió la urgente necesidad de empezar a grabar salsa brava en Colombia como la que estaban haciendo los artistas Fania en Nueva York, El Gran Combo en Puerto Rico, Ray Pérez y Tabaco en Venezuela. Si bien en el país algunos artistas habían hecho algunos temas salseros, aun no existía identidad, carecíamos de una agrupación que despuntara, que pegara fuerte, que tomara la batuta como representante de la salsa en el país, que fuera la primera “gran” orquesta de salsa colombiana. Así fue que nació la idea, la genial idea de Fruko.

La anécdota sobre la forma como adoptó el nombre artístico la ha repetido incansablemente en entrevistas, siempre con una amplia y amable sonrisa: “En la época cuando tenía 12 o 13 años, en los Altos del Hotel Nutibara había un anuncio de la fábrica de conservas de Fruco. Una muñequita que prendía y apagaba, y entonces los amigos allá, Lisandro Meza, Mario Londoño, Pedro Nel Isaza, en el estudio, unos músicos, decidieron bautizarme, ponerme el alias, ‘ese se parece a Fruco’ ”.

Su ópera prima con Los Tesos data de 1970, cuando graba “Tesura” con la primera voz oficial del grupo: Humberto Muriel González, “Huango”. Esta producción, descrita por Fruko como “experimental”, sirvió para que se moldeara el estilo, sonido y conformación de la banda. Habida cuenta de que solo se lanzaron 400 copias al mercado, no fue un producto que le representó ganancias a la compañía ni al naciente director musical, pero definitivamente fue el punto de partida de una exitosa carrera. Actualmente el disco, por su limitado número de ejemplares disponibles en buen estado, se ha convertido en una apetecida pieza de colección por la que se cobran sumas escandalosas, especialmente en el exterior (Estados Unidos, Europa y Japón), adonde ha llegado gran parte de estas ediciones.

Para el segundo álbum contaron con la participación de Edulfamit Molina Díaz “Píper Pimienta”, que venía de Los Supremos. El disco vio la luz en 1972 y se tituló “A la memoria del muerto”, y si bien no contó con la recepción esperada, puede ser quizá uno de los mejores en cuanto a calidad artística. La carátula del LP muestra a Fruko (inyectándose en uno de sus brazos) y su cantante sentados en un cementerio, con coloridas camisas africanas y pintas de hippies, poniéndose a tono con la revolución juvenil del momento, escena escandalosa para una sociedad que deglutía difícil y lentamente este tipo de tendencias foráneas, al punto que en el momento de hacer las fotografías, la policía los sacó del campo santo por considerarlo inmoral. La canción “A la memoria del muerto” fue el primer éxito en Colombia y “La fruta Bomba” pegó fuerte en países como Panamá, Venezuela y Cuba. Fruko y sus Tesos ya había despegado.

Posteriormente llegaron las dos voces más queridas y recordadas de la legendaria orquesta: Álvaro José “Joe” Arroyo González, de Cartagena y Wilson Manyoma “Saoko”, de Cali. El primero debutó en el disco “El Bueno” (1972), cargado de covers de Nelson y sus Estrellas, Richie Ray y clásicos de la música cubana; el segundo, en “Ayunando”, de 1973, por la línea del anterior LP, de donde se destacaron la canción “Tú sufrirás”, de Saoko, y “Mosaico Santero”, un popurrí de canciones de Celina & Reutilio muy bien arreglado, e interpretado por Joe Arroyo. Pero indudablemente el gran éxito fue “el ausente”, que se posicionó muy fuerte en emisoras y discotecas a nivel nacional. Ese mismo año se produjo “El Violento”, cuyos cortes “Tronco Seco” y “Nadando” se volvieron hits. 

 

1974 arribó con el buen LP “El Caminante”, cuyos éxitos los aportó la voz de Joe Arroyo: la nueva versión de “El Caminante”, tema originalmente interpretado por el cubano Roberto Torres; “Tania”, declaración de amor del cartagenero a su pequeña hija, tema que se convirtió en clásico instantáneo del rico repertorio salsoso de Colombia; y “El Árbol”, composición de Isaac Villanueva.

La consagración definitiva llegó con el disco “El Grande”, de 1975, una verdadera joya de principio a fin. Todos sus cortes fueron éxitos rotundos. Recordamos “Manyoma”, “Flores Silvestres”, “Los Charcos”, “Confundido”, y la canción que le dio la vuelta al mundo y que hoy, 38 años después de haber sido estrenada, continúa siendo la marca registrada de la salsa colombiana y no deja de sonar en emisoras y bailaderos: “El Preso”. Composición de Álvaro Velásquez, “El Preso” nació del drama de un amigo suyo condenado en Canadá por tráfico de drogas. La música, adaptada de un vallenato, se llevó al formato de salsa gracias a los arreglos de Luis Carlos Montoya y la colaboración de todo el grupo que aportaba sus ideas en el estudio de grabación.

Hasta la fecha ha sido el mayor de los éxitos de su carrera, representó la entrada por la puerta grande al exigente mercado latino de la música caribeña y llegó a ser considerado himno de la salsa a nivel mundial. Fruko había dado el batacazo de su vida y se había ganado merecidamente y a pulso, un lugar destacado dentro de las estrellas del género, tanto así que fue invitado a tocar en el Madison Square Garden de Nueva York para que alternara con luminarias como la Fania All Stars, la Dimensión Latina, Wilfrido Vargas y el Conjunto Libre, proeza que solo había logrado una colombiana, la baladista Claudia de Colombia. 

Su siguiente álbum fue El Bárbaro (1976), que puso a sonar “El negro chombo”, tema especialmente compuesto por Fruko para que lo interpretara Joe Arroyo, ya que era dedicado a su padre que lo abandonó. En 1977 salió El Patillero, con dos temas destacados: “Los Patulekos”, cantado por Joe, y “El Patillero”, del compositor Roberto Solano, en la voz de Saoko, de tremendo impacto en Panamá. 1978 nos regaló El Cocinero Mayor, brillante producción en la que Joe inmortalizó la canción que dio título al álbum, Saoko pegó “El árbol” y el invitado especial de la grabación, la histórica voz de la Sonora Matancera Celio González, aportó una memorable pieza, “La Borincana” (también de Roberto Solano), que inicialmente se iba a llamar “Bogotana” pero la productora quiso internacionalizarla y la letra se adaptó a Puerto Rico. En 1979 el turno fue para El Teso, donde Joe impuso “Catalina del Mar”.

Durante la década de los ochenta produjo siete álbumes, no con la misma fuerza ni éxito de los anteriores, fusiones de ritmos caribeños que tomaban rumbos distintos a lo que la banda había acostumbrado a su público, pero no por eso carentes de calidad artística: “El Espectacular” (1980); “El Mejor” (1981), donde regresó transitoriamente Píper Pimienta a reemplazar a Joe que había lanzado su primera producción como solista; “El Genio” (1982), donde vuelve Joe Arroyo en su última grabación con Fruko y con el debut de un jovencito Juan Carlos Coronel; “El Salsero Mayor” (1983), con las voces nuevas de May González y John Jairo Murillo, y la inclusión especial de la India Meliyará en el corte “Amigo”; “El Magnífico” (1985), en el que Joseíto Martínez hace su aparición; “Contento” (1987), nuevamente con Martínez y la participación especial del bolerista cubano Orlando Contreras; y “El Padrino de la Salsa” (1989), con Willie Calderón como nuevo intérprete. Wilson Saoko estuvo presente en las anteriores producciones, a excepción de “Contento”.




El decenio de los noventa llegó con un interesante proyecto: hacer cuatro álbumes que rescataran lo mejor del cancionero caribeño por ritmos, especialmente dedicados a la música cubana y a sus inmortales figuras. La idea se materializó en 1993 con el estrenó del álbum “Mambos”, que recordó la música dorada de Pérez Prado y del “Bárbaro del ritmo”. La era de Los Tesos había culminado e iniciaba la de Fruko & Orquesta. El disco contó con la participación de los cantantes Antonio González y Johnny Moré. El año siguiente lanzó los otros tres discos: “Pachangas”, cuyo repertorio incluía éxitos de Joe Cuba, Joe Quijano, Richie Ray y La Plata Sextet. Además de González y Moré, cantaron Óscar Quesada y Robin Espejo; “Sones y Montunos”, con el retorno de Wilson Saoko y el debut de “Chucho” Nuncira quienes remembraron joyas del Trío Matamoros, Tito Puente, Ñico Saquito e Ignacio Piñeiro; y “Guarachas, Guajiras y Boleros”, en donde repitieron Saoko y Nuncira, esta vez cantando clásicos de Rafael Hernández, Arsenio Rodríguez, Portabales, Miguel Matamoros y Joseíto Fernández. 

El reinado del acetato había llegado a su fin y sus próximas producciones solo saldrían en CD. Las nuevas tendencias musicales foráneas, la fiebre del merengue, el auge de la salsa romántica-erótica y la piratería estaban pasando factura al boom de la salsa brava. Las ventas de los discos habían caído estruendosamente y los tiempos eran difíciles para la industria. Sin embargo, Fruko continuó grabando y lanzaría varias producciones más: “Esto Sí es Salsa de Verdad” (1999), “Power Salsa” (2000), “Somos Salsa (We Are Salsa): Latin Treasures In Hard Salsa” (2002), “Pa’ Gozá Con Fruko” (2003), “La Máquina del Sabor” (2004), y “Fruko Power” (2006), producciones donde presentó las voces de Delfo Barrientos, Álvaro Pava, el panameño Gabino Pampini, Daniel Silva, Luis Moyano, Morist Jiménez, Harold Pálaez, Luis Moreno, la cubana Raquel Zozaya y el “Faraón” Óscar De León.

Hay tres álbumes que por lo general no aparecen en su discografía pero que merecen ser tenidos en cuenta: “Oriza”, de 1971, en el que además de Fruko incluyeron temas de otras orquestas como Ralph Roig, Dee Jay, Louie Ramírez y Félix Caraballo, en donde se compilaron números grabados con Píper Pimienta pero que únicamente salieron al mercado en discos de 45 r.p.m: Oriza, Yo No Vuelvo A Querer, Dame Un Break, La Chica Del Barrio Obrero, y Algo Pa’ Gozá; “Fuentes All Stars” (1975), de artistas varios, que compila otros números extraviados en los pequeños discos de 45: No Me Dejan Quererte, Entre Marido y Mujer, y Negra Del Campo; y “Full Salsa Para Gente Rumbera Vol.1” (1976), disco raro que contiene una canción por cada lado (Full Salsa 1ª Parte y 2ª Parte), suerte de sesión improvisada. Más recientemente, Discos Fuentes editó el LP de Joe Arroyo, “La Voz, Bolero y Salsa”, que incluye 10 cortes, algunos inéditos, del cartagenero con Fruko Y Sus Tesos: Canta Mi Corazón, Caifaz, Y Cuando, La Lotería, Volvió A Mentir, Ayúdala Por Favor, Sentencia China, Pa´Borinquen, Congo, y Volver A Empezar.

Además de Los Tesos, su carrera se extiende a otras agrupaciones como los Corraleros de Majagual, Los Diplomáticos, The Latin Brothers, La Sonora Dinamita, Afrosound, Wganda Kenya, Banda La Bocana, Los Tupamaros y La Sonora Carruseles. Con más de 48 años de vida artística, un olfato agudo para descubrir nuevos talentos, ejecutor de 25 instrumentos musicales, más de 42 álbumes, 8.000 grabaciones como compositor, músico, director de orquesta, arreglista, ingeniero de sonido o productor, giras por alrededor de 70 países y 250 ciudades, premio de la revista Record World a mejor orquesta tropical de América, indudablemente Fruko es el más grande de Colombia. 

 

Julio Ernesto Estrada no fue el primero en hacer salsa en el país, eso es algo que está lo suficientemente claro, pero sí fue el primer colombiano que alcanzó la gloria gracias a este ritmo y la internacionalizó. Por eso resulta lamentable que algunos “eruditos” se empeñen en mirar con displicencia y mezquina prevención el trabajo del paisa por cuestiones regionalistas. En cierta ocasión, un reputado coleccionista costeño dijo “Qué va, antes de Fruko estuvo Roberto de la Barrera y Michi Sarmiento, la salsa colombiana nació fue en la costa”, lo cual puede ser cierto, pero con el respeto que se merecen estos dos artistas planteo el interrogante: ¿Ellos también alcanzaron el éxito y reconocimiento que obtuvo Fruko a nivel mundial? Ese es el punto.

Antes de Fruko escuchamos guarachas de la Sonora Dinamita, danzones y guajiras de Lucho Bermúdez, salsa al peculiar estilo de Aníbal Velásquez y Chico Cervantes, los mismos Corraleros de Majagual hicieron “Quemando”, Pedro Laza grabó con Daniel Santos, René Grand puso a sonar “Mambo Cool”, en fin, el movimiento ya se había iniciado, pero Fruko fue quien se consolidó como el abanderado de la salsa de Colombia en el exterior.

Hoy, 7 de julio de 2013, a 62 años de su nacimiento, quiero rendirle un sencillo homenaje al hombre que cimentó las bases para que Colombia trazara el sendero del éxito en el mundo de la salsa, reconocimiento que inconcebiblemente está en mora de hacerse por parte de sus colegas, de sus compañeros de época, de la casa disquera que en gran parte vio incrementar sus utilidades gracias a su extraordinario talento, de un país que históricamente ha padecido amnesia e ingratitud con sus luminarias.

Feliz cumpleaños maestro Fruko. Solo nos resta decirle: gracias por tanta tesura

 

Por: John Jairo Usme

.