Festival Idartes 10: una gran celebración de aniversario
- Del 20 al 30 de noviembre, los escenarios, parques y territorios de Bogotá tendrán programación especial por los 10 años de IDARTES.
Desde medio día y hasta el anochecer, estarán las agrupaciones ganadoras de las convocatorias para circulación en vivo del 2021 del Idartes en este emblemático escenario, entre las que se destacan Las Añez, Oh’laville, El Clan del Solar, Los Pris, Celecanto, Ensamble Tríptico y Herejía, que obtuvieron los mejores puntajes entre todos los artistas que se presentaron a estas becas musicales. Los invitados especiales son Superlitio, Kraken, Cali Flow Latino, Milena Benites, Los Hermanos Aicardi y Los Reyes de la Champeta: Charles King, Louis Towers y Ane Swing.
El sábado 20 de noviembre empieza la celebración con un día dedicado a los ganadores de la convocatoria de programación rock. En dos tarimas en simultánea estarán Oh’laville, Revolver Plateado, LaTenaz, The Klaxon, Citadino Blues & Rock, Electric Mistakes, Brina Quoya, Fauces, Andrés Guerrero & Las Luces, Camargo, El Punto Ska y Sonoras Mil, y el invitado nacional Superlitio, que cerrará la primera jornada de conciertos.
El siguiente día, domingo 21, los dos escenarios estarán dedicados a la salsa, al jazz y a la fiesta colombiana con las orquestas El Santos, La Guabalosa y El Clan del Solar, además de los músicos de jazz Celecanto, Los Pris, Urcunina Cuarteto, Brian Vasquez, Páramo Quinteto, Aka Trio con Gina Savino y Juan Benavides, Alejandro Zuluága, Alejandro Fernández y su combo y Dorado Kandúa, que darán paso al cierre con Cali Flow Latino y Los Hermanos Aicardi, de Medellín.
La música volverá a este parque con Idartes 10 el sábado 27 de noviembre, cuando será el turno para el rock duro con la agrupación invitada a esta jornada Kraken, que cerrará el día luego de los conciertos de de punk, metal y diferentes sonidos como el de Herejía, Rattus Rattus, Convicted, XinniX, Savage, Rainmaker, Ursus, Dead Silence, Ataque De Pánico, Ray Morgan, Threshold End y Albatroz.
La última fecha de grandes conciertos será el 28 de noviembre, un domingo que invitará a los sonidos colombianos, desde la música indígena hasta la champeta. Los invitados nacionales son Los Reyes de la Champeta: Charles King, Louis Towers y Ane Swing y el joropo de Milena Benites, que terminarán una jornada de presentaciones de Las Añez, Colombita, Musical Booz, Cachicamo, Son de la Provincia, Los Carrangomelos, Danza Colibrí, Moque, Duo Alcaraván, Grupo Mayelé y Ensamble Tríptico.
A esta jornada se sumará una tercera tarima, el Escenario Móvil María Mercedes Carranza, con los Djs de sesión ganadores de convocatoria, que ampliarán la oferta musical para los asistentes. Allí estarán Kuribant, Cheetah Latina, DJ Back, Dj Antrax, Dj Afromusik Selektah y Dj Bmadd Afrohouse.
El Festival Idartes 10 es un espacio en múltiples escenarios, parques y territorios de la ciudad para que niños, jóvenes y adultos disfruten de las artes de diversas maneras. Cabe recordar que para el ingreso a los eventos masivos se exigirá el carnet de vacunación contra COVID-19, de acuerdo con las medidas dictadas por la Alcaldía de Bogotá.
Estos conciertos hacen parte de una amplia oferta de actividades culturales que el Idartes ofrece del 20 al 30 de noviembre en distintos espacios de Bogotá, para conmemorar su décimo aniversario.
Canalón de Timbiquí celebrará su nominación al Grammy Latino, en su concierto en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán La agrupación será parte del evento Sabrosura Pacífico el próximo 5 de octubre, que reúne lo mejor de esta región, junto a Río Mira y Nicoyembe.
El próximo sábado 5 de octubre, la agrupación colombiana Canalón de Timbiquí estará en el evento del Teatro Jorge Eliécer Gaitán Sabrosura Pacífico, luego de conocerse su nominación al Grammy Latino en la categoría de Mejor Álbum de Música Folclórica con ‘De mar y río’, su más reciente producción. Es la primera vez que un álbum de música tradicional del Pacífico es nominado a estos premios.
Esta agrupación, liderada por Nidia Góngora, ha logrado poner la poderosa y profunda música del Pacífico sur de Colombia al frente de la vanguardia del folclor. La riqueza de esta región, tan invisible para muchos, y el tesón de sus comunidades que se han organizado para defender sus territorios y tradiciones tienen hoy en su música una voz que resuena por el mundo gracias a agrupaciones como Canalón de Timbiquí.
“Es una noticia muy especial para todo el Pacífico colombiano. Nos llena de mucha esperanza y un mensaje positivo para todos los músicos, maestros, sabedores y las nuevas generaciones. Los esperamos a todos este 5 de octubre en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán para que celebremos esta noticia”, dice Nidia Góngora.
El disco logró reunir a tres generaciones de las familias musicales más emblemáticas de Timbiquí - Cauca en un disco que recorre todos los matices de una tradición profunda y enigmática. La música de Canalón de Timbiquí nos cuenta desde la espiritualidad afro americana del Pacífico y a través del contundente ritmo de la marimba, los cununos, los bombos y el guasá, la delicadeza y belleza de la infancia, la contemplación de los bosques y el agua, la cotidianidad de la vida rural y la despedida de los seres queridos cuando mueren.
‘De mar y río’ contó con la participación de guardianes fundamentales del sonido timbiquireño como Olivia Bonilla, Emeterio Balanta, Modesta Torres y Ninfa Ocoró, herederos de un legado musical único, que acompañaron a las nuevas generaciones de músicos que levantan la bandera de la música tradicional del Pacifico desde la Escuela Canalón de Timbiquí en Cali.
Canalón de Timbiquí presentará a los capitalinos este álbum, en un evento que reúne lo mejor de las tradiciones de esta región en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. Allí, junto a Río Mira y a Nicoyembe, celebrará su nominación al Grammy Latino. Las boletas se pueden conseguir en Tuboleta o en las taquillas del teatro. Invita la Alcaldía de Bogotá.
Fuente: Idartes Bogotá - Gerencia de Música
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Este 1 de noviembre será el gran lanzamiento del Festival en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán con más de 80 artistas en escena. La versión 2017 del Festival Danza en la Ciudad - Bogotá en movimiento estará en Bogotá del 1 al 13 de noviembre. Más de 70 funciones en 30 escenarios de la capital les traerán a los amantes de la danza un extraordinario repertorio con lo mejor de la danza nacional e internacional.
La Alcaldía Mayor de Bogotá trae la versión 2017 de Danza en la Ciudad, que llega con el eslogan ¡el festival es tuyo! Para celebrar una década continua de “Bogotá en Movimiento”.
Artistas y compañías provenientes de Costa Rica, España, Israel, Alemania, México, China, Argentina, Uruguay, Ecuador, Chile y de otros territorios de Colombia como Cali, San Juan de Urabá, nutrirán la programación del festival de la mano de la extensa y diversa participación de compañías y artistas locales.
El 1 de noviembre, en un evento de entrada libre hasta completar aforo, será el gran lanzamiento del Festival en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán con más de 80 artistas en escena.
El Festival, se tomará la ciudad durante 13 días en un evento incluyente y variado en el que habrá funciones gratuitas y pagas. Toda la información, los escenarios, la programación, las obras, sus artistas, sus historias y las compañías en www.danzaenlaciudad.gov.co
Boletería disponible en Tu Boleta, Primera Fila y taquillas de los teatros. Varias actividades son de ingreso libre hasta completar aforo.
Fuente:Idartes
Info: Instituto Distrital de las Artes - Idartes
Carrera 8 N° 15 - 46 PBX:(+571) 3795750 contactenos@idartes.gov.co
El Instituto Distrital de las Artes -Idartes, anuncia la lista de ganadores de la convocatoria distrital dirigida a agrupaciones musicales que presentaron sus proyectos para participar en Jazz al Parque 2017. A su vez, anuncia la reapertura de la convocatoria Beca festivales al parque “Ciudad de Bogotá - categoría Jazz” con la que se buscan 5 agrupaciones para completar la nomina distrital.
Al quedar inhabilitadas varias agrupaciones que se presentaron en la convocatoria en el primer semestre de 2017, Idartes decide hacer la reapertura para completar el cartel distrital que presentará en total ocho grupos nacionales.
La fecha de inscripción para que los interesados se postulen en línea va desde el martes 27 de junio al miércoles 5 de julio en
Los festivales son la plataforma del talento local por eso es tan importante completar la participación distrital. Jazz al parque 2017 se realizará los días 16 y 17 de septiembre del presente año.
Todas las consultas sobre la inscripción o cualquier otro aspecto de las convocatorias se puede realizar en línea o a través del correo electrónico contactenos@idartes.gov.co o al PBX 3795750 extensiones 3700 a la 3706
Salsa al Parque 2015 Invitados internacionales en Bogotá
Seguimos con noticias de Salsa al Parque,
Antes de hablar de quienes llegarán llegaran como artistas internacionales para estar en tarima fuera de las orquestas locales que ya están seleccionadas debemos recordar que:
Unos son los finalistas LOCALES, que se presentan mediante méritos y proceso con audición para mostrar lo mejor de su trabajo y su arte en tarima durante esos días,teniendo en cuenta el criterio de jurados elegidos y contratados especialmente para esta labor, otros son los artistas nacionales que con su talento llegan a colaborar a reforzar la riqueza de la música salsa y otra historia es la orquesta internacional, o los artistas internacionales, cuyo fin es contratarlos para que nuestras bandas locales tengan brillo en la tarima y sean el gancho de asistencia del público para que todos disfruten de todas las propuestas, repito: Ojo el sentido del festival es mostrar el trabajo de las bandas que están trabajando en Bogotá, por eso hay que asistir, no solo es ir a ver el sábado a los internacionales, si quieres mas salsa en el futuro apoya los que están arrancando, hay que escucharlos!
Esto lo escribimos por que desde ya surgieron preguntas sobre el por qué no contratan bandas locales diferentes, o por que en vez de las bandas locales pequeñas no traen los de renombre, Ya aclarado el tema damos la buena nueva que ayer 7 de mayo Idartes Bogotá y la Alcaldía Mayor de Bogotá lanzaron lo que es el plan cultural de festivales para el primer semestre de 2015 llamado Festival de festivales, allí tuvo el lanzamiento del Festival de Salsa al Parque, que como ya decíamos en otros apartados se realizará el sábado 30 y el domingo 31 de Mayo y su evento de Coleccionistas y melómanos el 14 de julio.
Se entregó información preliminar sobre los artistas internacionales que fueron contratados para alegrarnos esos fines de semana capitalinos.
Llegarán de Perú la orquesta Sabor y Control, de Puerto Rico La gran Sonora Ponceña en cabeza del maestro Papo Lucca, la orquesta del maestro Willie Rosario, el querido y rematará la internacionalísima Maité Hontelé , el afamado y recordado cantante, quien hubiera sido voz del conjunto clásico Tito Nieves, en redes sociales aparece como invitado, pero oficialmente no se dá la declaración por parte de Idartes, de sus managers, o de él, sobre el hecho verídico que sí asistirá al festival.
Orquesta Sabor y Control:
Miembros:
BRUNO MACHER - director, saxo tenor y voz,
CONSTANTINO ÁLVAREZ - timbal y coros,
JULIO GALARZA - congas y coro,
ROBERTO BALLUMBROSIO - bongó y campana,
AHMED ALCÁNTARA - 2ª voz y coros,
OSCAR FREITAS - bajo,
HUGO LAZARES - piano,
CHRISTIAN ZAVALA - saxo tenor,
JEYMY CAMPOS - trombón,
ORLANDO CARBONERO - trombón
Sabor y Control es una orquesta peruana de Salsa Dura y Descarga creada por el saxofonista Bruno Macher en el año 2000 con músicos profesionales de primer orden, cuya propuesta directa es el rescate de la raíces de este género, pero sin descartar por ello la búsqueda de un sonido propio y una identidad, tanto en su sonido como en sus letras.
Siempre anda en una constante búsqueda de los elementos que definen el barrio, la calle, la esquina y volcando todas estas vivencias en sus interpretaciones, muy ligadas a nuestras costumbres y lo cotidiano, es por eso que se puede catalogar el género de esta orquesta como "Salsa Peruana" (Salsa Dura, Brutal y Salvaje).
Arrancó siendo sexteto, pero la inclusión de piano y otros instrumentos donde fueron explorando hicieron que la propuesta se sellara bajo el concepto de orquesta.
Cabe señalar que "Sabor y Control" cuenta con siete producciones:
1. “El Guapo soy yo” (2006)
2. Cuchillo en los ojos (2008)
3. Alta Peligrosidad (2009)
4. Barrio Bendito” (2010)
5. El Más Buscado” (2011)
6. Cruda Realidad” (2012)
7. Humildad” (2014)
Estos siete discos fueron grabados en sesión (en vivo en estudio) y siendo en su totalidad temas propios.
Aquí algunas piezas de interés sonoro :
SABOR Y CONTROL - BARRIO BENDITO
SABOR Y CONTROL - El Bravo
SABOR Y CONTROL - La Calle Esta Sabrosa
SABOR Y CONTROL - LA PRISIÓN
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SONORA PONCEÑA
Don Quique, Papo Lucca y La Sonora Ponceña
Era en Ponce, Puerto Rico, cuando en el 1944 un músico oriundo de Yauco, pero ahora residente de esa ciudad, Enrique “Quique” Lucca Caraballo, decide formar una agrupación musical. Configurada originalmente por dos trompetas, ritmo y voces, y constituida en su totalidad por músicos ponceños, la orquesta es bautizada “Orquesta Internacional”.
Diez años más tarde, el sueño de Lucca, el de lograr hacer algo transcendental, se empieza a esfumar. Cansado de la fiestas de salón y los contratos domingueros, decide desbaratar el conjunto. El quería algo más que un quinteto como el que lideraba en ese momento y buscaba aumentar sus ingresos para sustentar mejor a su esposa Angélica y a sus tres hijos: Zulma, Enrique y Wanda.
Pero llevaba la música en la sangre, y al poco tiempo, febrero de 1954, los reunió de nuevo. Don Enrique iba a establecer un nuevo conjunto, uno más grande, con un sonido más potente. Para alcanzarlo, se había nutrido de un repertorio de temas populares compuestos por Arsenio Rodríguez (a quien le tenía una profunda admiración), la Sonora Matancera y el Conjunto Casino, el de los dos Roberto: Faz y Espí. El nombre oficial de la flamante orquesta sería ¡La Sonora Ponceña!
Los primeros discos de la Ponceña, a pesar de su éxito comercial y excelente instrumentación, no dejaban de ser extraños, ya que se hacían llamar “Sonora”, tenían formato de Orquesta y sonaban como un Conjunto. Y la razón era evidente; aún estaban bajo la influencia del “Ciego Maravilloso”, Arsenio Rodríguez, el tercer cubano, cuyo sello musical era parte inquebrantable de los conjuntos de la época. En sus comienzos, La Ponceña y La Perfecta de Eddie Palmieri, orquesta ubicada en Nueva York, eran muy parecidas, con la excepción de que la sección de vientos de esta última estaba centrada en los trombones.
Tres hechos determinaron la consolidación del estilo de La Sonora Ponceña. El primero fue el nacimiento en 1946 de Enrique Arsenio, el hoy internacionalmente reconocido “Papo”, un niño prodigio que hiciera su debut profesional en el programa de televisión de la popular cantante puertorriqueña, Ruth Fernández, tocando el piano y acompañado por la orquesta fundada por su padre.
La Segunda fue la compra del sello Inca por parte de Jerry Masucci, dueño de la firma Fania Records, quien había escuchado a La Sonora en diferentes conciertos durante sus visitas a Nueva York. Se compra ampliar la distribución y le dio a la Orquesta la oportunidad de conocerse por toda la cuenca caribeña. La tercera, el hallazgo por parte de Papo de la obra musical del pianista Oscar Peterson, considerado uno de los mejores exponentes de Jazz, y cuyo estilo se escuchaba en sus solos de piano.
La historia del desarrollo y eventual éxito del pequeño Enrique está llena de gratas y amenas memorias. Como cuando por más que tratara, en su primera presentación profesional en el programa de Fernández, descubre que no podía alcanzar los pedales del inmenso piano negro que le habían proporcionado. Tenía cuando eso once años y siendo para su edad fisicamente chico, si se sentaba a tocar, los pies no le llegaban a los pedales y si lo hacía parado, casi no veía las teclas. Al rescate Don Quique, quien consola al niño y le dice que no se preocupe porque él nunca permitiría que esa tarde perdiera la oportunidad de tocar profesionalmente por primera vez , le amarra unas extensiones a sus zapatos para que pudiera manejar los pedales.
Otra entretenida anécdota sucede cuando tenía cinco años. Resulta que el niño tocaba las claves con gran habilidad y una de las diversiones favoritas de su padre era verlo tocar con el grupo. Una tarde, mientras el Conjunto Internacional ensayaba, Papo se sienta detrás de una tumbadora mucho más grande que él y comienza a tocar “Ran Kan Kan”, el mambo descarga que popularizara Tito Puente, con tanta precisión que los miembros de la orquesta lejos de interrrumpirlo, decidieron acompañarlo. Días mas tarde, Don Quique habla con un buen amigo , Francisco Alvarado, y con su ayuda matriculan al pequeño en la Escuela Libre de Música Juan Morel Campos de Ponce. Ahí los profesores le enseñaban las normas por la mañana y Don Quique las reforzaba por las noches.
En noviembre de 1957, el niño es la atracción principal de La Sonora Ponceña durante un baile en la ciudad de Bayamón. Familiares, amigos,músicos y el público en general quedan encantados con la presentación, y aunque esa noche no se habló mucho del pequeño pianista, para Don Quique, su conjunto, por fin estaba en la ruta que siempre había anhelado. El año siguiente, tres discos de 78 rpm materializan su quimera. Especialmente, el último de ellos, donde La Sonora Ponceña con Papo Lucca en el piano, acompaña a los boleristas Felipe Rodríguez y Pedro Ortíz Dávila, “Davilita”. Tapas de refrescos nuevamente son utilizadas para que alcance los pedales.
Durante los sesenta, Papo se convierte en la imagen principal y emblema de La Sonora Ponceña y los empresarios comienzan a exigir en los contratos la participación del chico. Y en cada presentación, todas las miradas quedaban fijadas en Papo, no sólo por su juventud, sino también por su innegable talento. A mediados de esa decada, el joven paso de ser el orgullo de su padre para convertirse en el orgullo de su ciudad.
El representante del Sello Inca, Pedro Páez, interesado en La Sonora Ponceña, le ofrece a Don Quique un contrato que no duda en firmar, y con algunas canciones compuestas por integrantes del grupo y otras originales de Arsenio Rodríguez, La Ponceña graba su primer disco de larga duración. Titulado “Hacheros Pa’ Un Palo”, todos los arreglos estuvieron a cargo del joven Papo.
El disco, y en especial el tema de le daba nombre, se convierte en un tremendo éxito radial en Nueva York. Lo mismo sucede con la Segunda grabación, “Fuego en el 23”, realizada en 1969. Cuando eso, además de Don Quique y Papo, La Sonora Ponceña estaba integrada por los cantantes Luigi Texidor y Tito Gómez, el bajista Tato Santaella, el timbalero Edgardo Morales, el conguero Félix Torres, el bongosero Francisco Alvarado y los trompetistas Carmelo Rivera, José Rodríguez, Delfín Pérez y Ramón Rodríguez.
Lucca llegó a conciliar tal influencia con la de Lili Martínez Griñan, el pianista y arreglista del Conjunto de Arsenio Rodríguez, que logró un estilo muy propio, y el que poco a poco se convirtiera en la base de toda la agrupación; aún cuando ese cambio no se hace presente en las primeras grabaciones con Fania. El primer disco para ese sello fue “Navidad Criolla”, álbum que recoge una gran parte de la tradición de aguinaldos y parrandas puertorriqueñas. Los siguientes tres discos, “Prende el Fogón”, “Sonora Ponceña” y “Sabor Sureño”, regresan nuevamente al estilo de Arsenio y la similitud con Palmieri. No fue hasta 1975, con el disco “Tiene Pimienta”, que Papo Lucca incorpora diferentes sonoridades con un teclado electrónico, hecho que consolida el siguiente año en “Conquista Musical”. La razón: el cambio de productor. Para ese disco, la disquera reemplaza a Larry Harlow con Louie Ramírez, quien además se asocia con Papo.
Aconsejado por Louie, La Ponceña inicia una gira por el Caribe y empiezan a internacionar su música interpretando y grabando temas, tales como “La Pollera Colorá”, del colombiano Wilson Choperena y bombas, merengues, boleros-feeling, guaguancós y sones. A fines de los 70’s , La Ponceña graba un disco con Celia Cruz, “La Ceiba”. Ese disco simboliza el cambio definitivo. Para ese entonces ya se habían incorporado como cantantes los puertorriqueños Miguel Ortíz y Yolanda Rivera, los que fueron seleccionados por las características tan disimiles que tenían; y cosa que lejos de turbar al oyente, como muchos temían, logró todo lo contrario.
En 1980, Papo graba uno de los discos más llamativos de La Sonora, “New Heights”, grabación que propuso un nuevo concepto, la ilustración de la carátula. Esa ilustración (y las siguientes), los acercan aún más al público y les crean, aparte de aficionados de su música, un nuevo grupo de seguidores, coleccionistas de tapas. Además, con ese disco, comienzan a titular las grabaciones en Inglés, cosa que refuerza el carácter internacional de la orquesta y es la que mejor mostraba una producción a nivel visual.
A mediados de los 80’s, La Sonora Ponceña era ya conocida como la agrupación más importante de Salsa en Puerto Rico y los Lucca eran amos y señores de la sonoridad. Tanto así, que cuando contratan a un nuevo y desconocido sonero, el desaparecido Toñito Ledée, en menos de dos años ya era un ídolo popular.
Paralelamente, La Ponceña añade dos nuevas novedades; Una, la tenaz grabación de canciones de música moderna cubana, especialmente la de Adalberto Alvarez y la de Pablo Milanés. El primero, siendo Director de “Son 14”, le entrega a Papo dos inesperados éxitos, “Soledad” y “Cuestiones”; y el segundo, cada vez más alejado de la nueva trova que le diera fama y fortuna, le pone en las manos “Canción”, tema basado en un poema de Nicolás Guillen, y “Sigo Pensando en Tí”. La otra fue su incursión en el Latin Jazz, lo que obliga a modificar la sección de vientos y el sonido. Basado también en los arreglos, que cada vez tenían mayores elementos de Jazz, se torna aún más brillante.
Con una discografía de más de 30 discos, uno de los que mejor refleja la historia y monumental contribución que Papo y La Ponceña le han entregado a la música popular caribeña, fue grabado en vivo el 19 de febrero de 2000 en el Anfiteatro Tito Puente de Puerto Rico para celebrar, en forma oficial, su 45 Aniversario. Una impecable grabación donde están presentes muchas de las figuras que formaron filas en su seno y un repertorio que incluye, entre otras, los clásicos “Boranda”, “Timbalero”, “Fuego en el 23”, y “Ahora Sí”. Algunas en versiones extra largas, justificadas sólo porque muestran el virtuosismo de su Director.
En los años subsiguientes, aunque no volvieron a grabar hasta el 2004, La Sonora Ponceña continuó con sus presentaciones, tanto en Puerto Rico como fuera del País. Realizaron innumerables presentaciones en la Isla del Encanto, así como en Nueva York, La Florida, Washington, Connecticut, Philadelphia, Chicago, New Jersey, Venezuela, Panamá, Perú, Colombia, Ecuador, Paris, Inglaterra, Suiza e Italia.
El año 2004 resultó ser uno muy especial para Don Quique, Papo Lucca y su Sonora Ponceña. Por un lado, celebraron por todo lo alto, 50 Años en la música, mientras lanzaban al mercado su nueva propuesta musical, “Back to the Road”, bajo el Sello Pianissimo, propiedad del maestro Papo Lucca.
“Back to the Road” es un clásico disco de La Sonora Ponceña, donde se muestra lo que ha hecho de esta Orquesta una institución, demostrando que no se ha dormido en sus laureles y pasados éxitos, y envia un claro mensaje de que Papo Lucca sigue siendo un músico y visionario como pocos. Este trabajo discográfico demuestra la calidad de la Ponceña, siempre en la línea correcta, manteniendo la tradición y su sonido incomparable. Incluye, entre otros, Caprichosa, El Alacrán, Con Tres Tambores Batá.
En su Jubileo de Oro, que se celebró el 21 de febrero de 2004 en el Coliseo Rubén Rodríguez ante 12 mil personas, La Sonora Ponceña reafirmó su posición como una de las agrupaciones más célebres de Puerto Rico. Fue una fiesta como otras tantas que se forman cuando la Ponceña está en la tarima. La agrupación que dirigen Don Quique y Papo Lucca, sólo supo brindar su especialidad, un derroche de la mejor salsa en el mercado y un álbum musical repleto de nostalgia que incluye unas páginas gloriosas en el repertorio bailable afroantillano.
La Cámara de Representantes y la Legislatura de Puerto Rico, así como instituciones y grupos relacionados con la cultura y el quehacer artístico puertorriqueño, reconocieron a Don Quique y Papo Lucca, por la aportación que éstos han hecho a la música popular en Puerto Rico y el mundo entero durante los pasados 50 años.
El 16 de marzo de 2004, les fue dedicado el vigésimo tercer “Día Nacional de la Salsa”, el más importante acontecimiento salsero en Puerto Rico, celebrado en la Ciudad de Carolina.
En la Ciudad Señorial de Ponce, su ciudad de origen, recibieron el reconocimiento del Alcalde, Hon. Rafael “Churumba” Cordero (QEPD), nombrando una de las calles de la Ciudad, “Enrique Lucca Carballo”, en honor a Don Quique Lucca.
En una votación unánime, la Junta de Directores del “Día Nacional de la Parada Puertorriqueña en Nueva York, designó a la Sonora Ponceña, en su 50 Aniversario, como la Orquesta Invitada de Honor en el Noveno Desfile Anual celebrado el 13 de junio de 2004.
Antes de finalizar el 2004, el 4 de septiembre tuvieron el gran honor de inaugurar, junto al “Apolo Sound” de Roberto Roena y a Richie Rey y Bobby Cruz, uno de los escenarios más importantes de Puerto Rico y el Caribe, El Coliseo José Miguel Agrelot.
La Sonora Ponceña está integrada por Don Quique Lucca, Fundador y Director; Papo Lucca, Pianista, Arreglista y Director Musical; Edwin Rosas, Daniel Dávila, Fernando L. Colón, Cantantes; Delfín Pérez, Efrén Camacho, Mario Marcucci y Alfredo del Valle, Trompetistas; Alexander Rosas, Bajo; Wilfredo López, Conga; Domingo Gutierrez, Bongó y Jessie Colón y Manolito Rodríguez, Timbal.
Posee mas de 40 discos en su biografia entre algunos podemos ver:
1954 Felipe y Davilita - Con La Sonora Poncena
1968 Hachero Pa Un Palo
1969 Fuego en el 23
1970 Algo de Locura
1971 Navidad Criolla
1972 Desde Puerto Rico a NY
1972 Sonora Poncena "el soldado"
1974 Sabor Sureno
1975 Tiene Pimienta
1975 Lo Mejor de la
1975 Sonora Poncena
1976 Musical Conquest
1977 El Gigante del Sur
1978 La Orquesta de Mi Tierra
1978 Explorando
1979 La Ceiba con celia Cruz
1979 Energized
1980 Unchained Force
1980 New Heights
1981 Knight Rider
1982 Determination
1984 Future
1985 Jubilee
1985 30 Aniversario
1987 Back To Work
1988 On The Right Track
1990 Into the 90s
1991 Merry Christmas
1992 Guerreando
1993 Birthday Party
1993 Soul of PR
1994 Opening Doors
1995 Apretando
1998 On Target
2000 Puro Sabor
2001 Live 45 AÑos
2002 Grandes Exitos
2004 Back on the Road
2005 Pal Bailador - 45 AÑos de Historia
2008 50 Aniversario En Vivo
2008 Otra navidad Criolla
De que Callada manera - Canción
Fuego en el 23
72 hacheros pa´un palo
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Willie Rosario
El director de orquesta, percusionista, compositor y disc jockey, Willie Rosario "Mr. Afinque", nació en Coamo, Puerto Rico, el 6 de mayo de 1930, en la calle Ramón Emeterio Betances, Su nombre de Pila es Fernando Luis Rosario Marín. Recuerda que al salir de la escuela, con siete años de edad, solía entretenerse tocando sobre unas latas de galleta en el balcón de su casa, imitando el sonido de las orquestas de Rafael Muñoz y el Sexteto Puerto Rico, comenzo sus pasos en la musica atraido por el sonido de la percussion.
Su madre, asombrada por la pasión artística del niño, no dudó en enviarlo a estudiar guitarra, tan pronto se anunció en su pueblo la inauguración de la primera escuela de música, en el año 1942.
Para entonces, Willie Rosario tenía 12 años de edad y aprendió a solfear y familiarizarse con el valor de las notas musicales gracias al empeño del profesor Juan Suárez, el único maestro de música que había en el pueblo.
"Las clases tenía que tomarlas fuera del salón porque cuando se creó la escuela yo estoy graduándome de noveno grado y estaba pasado de edad. Sin embargo, Juan Suárez me atendía detrás de la cortina donde estudiaba Bobby Valentín, Willie Rodríguez, Luis Manuel Rodríguez y Carlos Luis Martínez ('Coamito')", comenta.
Recién cumplidos sus 15 años de edad, logró su primera experiencia musical junto a un grupo de amigos de su pueblo que habían formado el Conjunto Coamex y en el que necesitaban un bajista.
"Yo sabía un par de tonos en la guitarra y cuando hacen el grupo no hay quien tocara el bajo, y yo lo hice tocando los acordes de la guitarra", asegura.
Esa experiencia, aunque efímera, fue importante en su formación y determinante para lo que años más tarde desarrollaría en la ciudad de Nueva York.
Obrero, militar, artista y periodista.
Willie Rosario abandona el país junto a su familia en el año 1947, como consecuencia de la estrechez económica de la época, situándose en la "Gran Manzana" al igual que otros miles de puertorriqueños para quienes la emigración representó una alternativa para mejorar su condición de vida.
A su arribo a Estados Unidos trabajó de obrero en el Departamento de Correos de la Joyería Cartier –ubicada en el privilegiado sector de la Quinta Avenida de Manhattan–; también laboró en la fábrica de gabinetes de oficina Arts Steel Company y fue comisionista de bodegas. Años más tarde, se enlistó en el ejército, justo en el periodo en que se gestó la agresión contra Corea.
Siendo militar, Willie Rosario fue de visita en una ocasión al salón de baile El Palledium y quedó deslumbrado al ver a Tito Puente tocando los timbales de pie.
"Nunca lo había visto (a Tito Puente) y me entusiasmó su estilo, por lo que decidí que quería aprender a tocar percusión y comencé clases con un judío que se llamaba Henry Adler y con un músico famoso de esos años de nombre Willie Rodríguez, hermano de Augusto Rodríguez, el fundador del coro de la Universidad de Puerto Rico", narra.
Sus arreglos y su instrumentacion ensanchaban la textura, el timbre y color de la musica afro-cubana. Durante esos años escuchaba al Sexteto Puerto Rico, la Orquesta de Rafael Muñoz con su cantante José Luis Moneró, Mingo y sus Whoopee Kids con la cantante Ruth Fernández, y a César Concepción.
Tras concluir sus años de soldado, en 1952, regresó a Puerto Rico a visitar a su familia, estadía que se prolongó por un año al ser convidado a formar parte de la orquesta Fiesta, en calidad de baterista, sustituyendo a Mon Rivera.
"Cuando llegué a Coamo había varios muchachos del pueblo que habían hecho un grupo. Estaba 'Coamito', Waldo Seda y Luis Guillermo Ortiz, y con ellos estuve un año y también hice algunas cosas con tríos y conjuntos de poco reconocimiento y sin nombre", dice el músico, quien retornó a Nueva York en 1953 para cumplir unos compromisos con la orquesta Fiesta y decidió no regresar a Puerto Rico.
Ese mismo año conoció a Johnnie Seguí, quien le ofreció trabajo en su orquesta, que para entonces había establecido una pauta en la sonoridad latina, al armonizar su grupo con el sonido de cuatro trompetas antes de que esa fórmula fuera utilizada por Tito Puente y Tito Rodríguez.
"Ahí tuve mi escuela. Aprendí de la disciplina de una orquesta, a ser responsable, honesto, a manejar un grupo y a vestirme bien. Ésa fue la base para formar mi agrupación", sostiene.
Junto a Johnnie Seguí grabó el álbum "Cha cha chá", recordado por los éxitos "El bodeguero", "Duerme" y "Tati", un tema de Rafael Hernández. También hizo varios discos de 78 y 45 rpm, en los que se destacaron las melodías "Malcriada" y "Nicolasa".
En esos años también colaboró con el conjunto de Joe Quijano y el grupo del pianista venezolano Aldemaro Romero, de lo que afirma "fueron experiencias de un tiempo".
Mientras se desempeñaba como músico, Willie Rosario decidió cursar estudios universitarios e ingresó a la Facultad de Comunicaciones de la Universidad de Gannon, en la ciudad de Erie, en Pennsylvania, donde se especializó en periodismo radial. Como reportero obtuvo su primera oportunidad laboral en la estación radial WALO, de Nueva York, donde se inició en un programa de recetas de cocina en compañía del conocido músico Machito Grillo y su hermana Graciela.
Esa experiencia le permitió, además, conocer a los más distinguidos músicos de la época y establecer con solidez su nombre en las listas de las figuras más destacadas del mundo musical latinoestadounidense.
Arquitecto de un sonido diferente
Fue en el año 1958 cuando el timbalero Willie Rosario se aventuró a crear su propia agrupación, una vez que el músico Johnnie Seguí, con quien trabajó desde 1953, decidió disolver su grupo para regresar a Puerto Rico.
En aquel momento, armó una banda con la mayor parte de los músicos de Seguí y se lanzó a "tocar en la calle", dando a conocer su proyecto en algunos de los más reconocidos salones de baile de la época, como el Casino Broadway y el Monte Carlo.
Su mejor momento, en cambio, lo logró como orquesta de planta en el Club Caborrojeño, ubicado en la calle 145 y Broadway, y en la que alternó con el grupo de Joe Valle por espacio de cuatro años.
"Cuando me dan el contrato en el Caborrojeño me exigieron que había que tener un cantante de mucha fama porque allí estaba Joe Valle que era una de las voces más privilegiadas que había en el ambiente. Yo acepté que fuera así porque lo que quería era tener la oportunidad de estar en el club, que era de los más visitados", asegura el artista, quien durante el periodo que permaneció en el club acompañó a figuras como Vitín Garay, Chivirico Dávila y Yayo El Indio.
Este último, que hasta ese momento figuraba sólo como una atracción especial del local, se integró a la orquesta de Willie Rosario tras la salida de Chivirico por diferencias con el propietario del club.
En 1962, Willie Rosario abandonó su participación en el Caborrojeño, alegando haber sido víctima de un "golpe de Estado".
"Al cabo de unos años de estar en el club, Yayo El Indio se empeñó en tener una orquesta y el dueño, como él era famoso, me sacó y me dejó sin trabajo. Ahí me fui a la calle a meterle el pecho de verdad al negocio y hago una (banda) nueva porque todos los músicos que tenía se quedaron en el club, excepto uno, el único honesto y decente: Bobby Valentín", comenta.
De esa manera, Willie Rosario inició una nueva etapa en su carrera armándose de una batería de músicos encabezada por Rudi Martin (piano), Izzy Feliú (bajo), Luis Rodríguez (conga), Bobby Valentín (trompeta), Eddy Snell (trompeta), Tony Cofresí (trompeta) y Frankie Figueroa (voz), y con quienes produce, en 1962, su PRIMER DISCO, "EL BRAVO SOY YO".
Para entonces, el nombre del timbalero era reconocido en las lides musicales, no tan sólo por su rol de líder de orquesta, sino por su participación con el músico Herbie Mann y como miembro de la familia ALEGRE ALL STAR, con quien participó en los discos "Way Out", "El Manicero" y "Perdido". También figuró en el disco "Salsa máxima", junto a Cesta All Star.
En 1964, produjo el disco "Fabulous and Fantastic", que incluyó, entre otros, los temas "Los generales de la capital", "A Villa Palmeras" y "Nos engañó la vida", interpretados por Frankie Rodríguez, seguido por "Latin Jazz Go-Go-Go" (1965), "Haida Huo" (1966) y "Boogaloo and Guaguancó" (1966), en los que se destacó como vocalista Paquito De Jesús, quien sustituyó a Frankie Rodríguez luego que éste se marchara a Puerto Rico para formar parte de la orquesta de César Concepción, para más tarde integrar las bandas de Nacho Rosales y Memo Salamanca, en México.
Innovó con su propuesta armónica
Una de las grandes aportaciones de Willie Rosario a la salsa fue la elaboración de una propuesta armónica novel, que a poco fue sellando su identidad sonora matizada por la combinación de cuatro trompetas y saxofón barítono, un experimento hasta entonces no explorado.
"Traté ser lo más original posible, con un estilo que nos distinguiera, por lo que pensé en añadir un violín, un clarinete y hasta un trombón, pero un día visite un salón de jazz en Nueva York, el Blue Note, y estaba tocando Jerry Moligan, que era un virtuoso del barítono, e hizo unos pasajes del piano, el bajo y el barítono en un tema de bossa nova que cuando lo oí supe que era lo que quería", comenta el veterano percusionista.
EN EL ANO 1967: Desde entonces, la orquesta se distinguió por el uso del SAXOFON BARITONO en combinación con la armonía de cuatro trompetas provocando un sonido diferente y profundizando la ESENCIA RITMICA DEL GRUPO, concepto que se consignó en la producción del álbum "Too Too Much" (1967), en el que, además, reaparece la participación de Frankie Figueroa en la parte vocal, junto a Pete Bonet y Willie Torres.
EN EL ANO 1968: El trabajo artístico de Willie Rosario prosiguió con la producción "El bravo de siempre" (1968), un trabajo que marcó una huella en la salsa con el éxito "La cuesta de la fama", en voz de Meñique Baltasnegras. Este álbum también incluyó "La esencia del guaguancó", "La realidad" y "Superman", entre otros.
EN EL ANO 1970, Willie Rosario reclutó al cantante Chamaco Rivera, quien es recordado por el éxito "De Barrio Obrero a la Quince", incluido en el álbum "De donde nace el ritmo" (1970), seguido por "Más ritmo" (1972), ambos con arreglos de Louis Ramírez y José Luis Cruz.
En 1970, una administración nueva en el Corso terminó su contrato. El siguiente año su atención con el publico mejoró después de su grabación de "El Barrio Obrero La Quince" la cual se elevo a la posición número uno en Puerto Rico. "El Barrio Obrero es mi hit más grande," dijo Rosario. Se mudó a Puerto Rico y un mundo nuevo abrió para él. Después de seis meses, su banda estaba en marcha firmemente.
Entre sus grandes éxitos figuran "De Barrio Obrero a la Quince", "El timbal de Carlitos", "Mi amigo el payaso", "El revendón", "Lluvia", "Cuando no hay cariño", "Botaron la pelota", La cuesta de la fama" y "Poco a poco", entre otros. Además de cultivar con éxito la llamada 'salsa gruesa', Willie Rosario ha hecho valiosas aportaciones al género del jazz con sus éxitos "Flip flop", "Stop and go" y "My Favorite Thing", con arreglos de su inseparable amigo Bobby Valentín y el pianista Artie Azenzar.
Estas producciones marcan la frontera para la transición del proyecto musical de Willie Rosario, quien a partir de ese momento optó por continuar su propuesta desde Puerto Rico, dejando atrás el mundo neoyorquino en el que se curtió.
Los años dorados de "Mr. Afinque"
Tras varias décadas vinculado al mundo musical latino de Estados Unidos, el timbalero Willie Rosario optó por radicarse en Puerto Rico, convirtiéndose en una de las figuras salseras más productivas y solicitadas de la década del 70 y 80.
Su opción de mudarse a la Isla, asegura, estuvo motivada por una combinación de factores familiares e intereses comerciales.
"Yo no quería que mis hijos se criaran en Nueva York, no me gustaba ese ambiente para ellos y prefería que crecieran aquí. Además, cada vez que me encontraba con la Sonora Ponceña y El Gran Combo me contaban que mi música se escuchaba mucho en Puerto Rico y que había mucho trabajo, entre fiestas patronales y graduaciones", sostiene.
De esa manera, el músico se instaló en su patria acompañado de su orquesta, y al cabo de unas semanas regresó a la "Gran Manzana" para cumplir con varios compromisos, momento en que su cantante, Chamaco Rivera, le indicó su interés de no regresar a la Isla, siendo reemplazado por Junior Toledo.
"Junior era el cantante nacido para la orquesta y es cuando nos levantamos bien y la cosa se puso fuerte", acota.
EN EL ANO 1973: El primer trabajo de esta nueva era de la orquesta fue "Infinito" (1973), al que le siguió "Otra vez" (1975), consagrados por los éxitos "Juventud siglo 20" y "Casualidades", respectivamente.
EN EL ANO 1977: A partir de ese momento, el veterano percusionista destacó en sus producciones discográficas a más de un cantante, incorporando la participación de Bobby Concepción y Guillo Rivera, con quienes produce "Gracias mundo" (1977).
EN EL ANO 1978: Empero, las siguientes producciones de la orquesta, "From the Depth of my Brain" (1978) y "El rey del ritmo" (1979), no contaron con la participación de Concepción.
Diferencias entre Willie Rosario y Junior Toledo, que el líder de orquesta atribuye a problemas de disciplina, desembocaron en la salida del cantante, quien, dice Rosario, alentó la renuncia del grupo de su contraparte Guillo Rivera para desencajar lo que había sido hasta el momento una fórmula ganadora.
Justo en ese momento se incorporó en el grupo al joven cantante Tony Vega, que hasta entonces había participado en la orquesta de Raphy Leavitt y La Selecta.
"Junior (Toledo) y Guillo (Rivera) se van un jueves del grupo y al otro día estábamos tocando en Canóvanas. Llamé a Tony Vega y también me comuniqué con Bobby Concepción y Chamaco Rivera, que en esos días estaba en Puerto Rico, y así nos estuvimos defendiendo un par de semanas, hasta que le hablé a (Gilberto) Santa Rosa", cuenta el líder de la banda.
EN EL ANO 1980: El primer álbum al mando de Tony Vega fue "El de a 20 de Willie" (1980), en el que también grabó Bobby Concepción y que logró éxito con el tema "Mi amigo el payaso".
EN EL ANO 1981: Luego, en 1981, la orquesta despuntó con el binomio Tony Vega y Gilberto Santa Rosa, en una periodo de cinco años colmado de fama y que se consignó en las producciones "The Portrait of a Salsa Man", "Atízame el fogón", "The Salsa Machine" –el último en el que participó Bobby Concepción–, "Nuevos Horizontes", "Afincando" y "Nueva cosecha", en el que se une como vocalista Pupy Cantor.
Esa fue la época gloriosa de "Botaron la pelota", "Lluvia", "Busca el ritmo", "Negrita linda" y "El antifaz", entre más de una decena de consabidos éxitos.
EN EL ANO 1987: A partir de 1987, la salida de Tony Vega y Gilberto Santa Rosa marcó un derrotero nuevo para la banda del también conocido "Mr. Afinque", quien mantuvo su proyecto musical con la participación de Pupy Cantor y Josué Rosado, para más adelante integrar a Primi Cruz (responsable del éxito de "Anuncio clasificado"), Bernie Pérez, Henry Santiago, Rico Walker y Ángel Luis Vergara.
Durante sus 40 años al frente de su orquesta, ha viajado mútiples países como Venezuela, Panamá, Colombia, México, Curazao, Islas Vírgenes y todo Estados Unidos. Ante la falta de taller para los músicos y salones para los bailadores, Willie Rosario estableció junto a Bobby Valentín su propio centro de baile Tropicana Club, donde alternaba con varias orquestas de música latina.
A lo largo de su exitosa trayectoria musical, el Maestro Rosario se ha caracterizado siempre por mantener una posición vanguardista en lo que a la música se refiere. Como director de orquesta se le considera un innovador al introducir el saxo barítono a los formatos de las orquestas de salsa en 1965, sustituyendo así el tradicional trombón de vara. Su visión futurista le mereció una nominación en 1987 a un Premio Grammy por su producción "Nueva cosecha". Su orquesta ha recibido, además, otros premios nacionales e internacionales, entre ellos, varios Discos de Oro y Platino, el Premio Agüeybaná de Oro, ACE, Diplo y Paoli.
La Orquesta de Willie Rosario es una universidad de música. Un buen número de músicos y cantantes de Salsa actual y de Jazz latino se graduaron de la Universidad de Rosario y te dirán que no hay un grupo en cualquier tarima en el mundo que tenga mejor swing que la de Willie Rosario. Willie Rosario tiene su compañía musical de producción "WilRo Productions" en Puerto Rico. Desde su principio, la orquesta de Willie siempre se ha considerado como entres las mejores en la escena latina. Hasta la fecha, Rosario ha grabado 37 álbumes, un buen número bastante bueno para ser nominado para los Grammys. La última producción siendo "Back to the Future""
En marzo de 2000 Willie Rosario fue homenajeado por el senado de Puerto Rico por sus 40 años en la música.
El músico Willie Rosario es una de esas figuras del pentagrama de la salsa que han cargado sobre sus hombros la lucha por la permanencia del género, lidiando contra las adversidades que, en muchas ocasiones, impone el mercado artístico.
A sus 73 años de edad, el veterano percusionista aún mantiene viva la más arraigada tradición del quehacer salsero, ostentando una agrupación que por más de cuatro décadas ha cultivado un historial musical colmado de éxitos.
Biografia tomada de Willie Rosario. Sus memorias y Vida Artistica. Fuente: salsaclasica.com
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REGRESA EL MÁXIMO EXPONENTE DEL JAZZ AFRO – CUBANO A BOGOTÁ
SÁBADO 14 DE MARZO – 8:00 P. M.
GANADOR DE CINCO GRAMMYS Y TRES LATIN GRAMMYS
Pianista, organista, compositor e instrumentista, Dionisio de Jesús Valdés Rodríguez, mundialmente conocido como Chucho Valdés, considerado uno de los mejores pianistas del mundo y desde luego la figura jazzística más importante en la actualidad de Cuba, regresa a Bogotá en una única presentación, el próximo sábado 14 de marzo de 2015, a las 8:00 p. m. en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán.
Este fenómeno del latin Jazz, desde niño comenzó a tocar piano guiado por su padre, el también pianista, Bebo Valdés, luego a los 14 años inició su actividad profesional en la orquesta Sabor de Cuba, dirigida por su padre. Fue alumno del Conservatorio Municipal de La Habana, donde trabajó con Ángela Quintana y más tarde fue discípulo de Zenaida Romeu y Rosario Franco, cuyas influencias considera importantes en su formación musical, graduándose de la Universidad de las Artes de la Habana.
Antes de los veinte años ya era un afamado pianista, y en los inicios de los años 60 formó parte de la orquesta del Teatro Musical de La Habana, donde coincidió en la actividad profesional con Leo Brouwer, Federico Smith y Alberto Alonso. Integró después la Orquesta Cubana de Música Moderna.
Fundó, posteriormente, el proyecto del grupo Irakere, junto con el guitarrista Carlos Emilio Morales. Con esta agrupación desarrolla una significativa labor de rescate de las raíces de la música cubana, manejadas con nuevos elementos expresivos. Su revelación mundial como importante exponente del movimiento jazzístico internacional ocurre en el Festival Jazz Jamboree de Varsovia, en 1970, donde fue ubicado por la crítica entre los mejores pianistas de jazz de ese momento, como renovador del Latin Jazz o Afrocuban Jazz y exponente del mensaje jazzístico cubano. Uno de sus grandes éxitos ha sido aglutinar en el grupo Irakere a estrellas de la música cubana, que reconocen su paso por la agrupación como una escuela. Arturo Sandoval y Paquito D'Rivera
Su calidad interpretativa ha sido reconocida internacionalmente con el otorgamiento de la condición de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Victoria de Canadá, y por la de La Habana y las entregas de la Medalla Félix Varela de Cuba, las llaves de las ciudades de San Francisco, Los Ángeles, Madison y Nevilly en Estados Unidos y la de Ponce en Puerto Rico.
Sus instrumentaciones originalísimas a piezas populares, son consideradas un aporte de gran significado para el desarrollo musical cubano. El 16 de octubre de 2006, Chucho Valdés fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO).
Premios
-1979 con Irakere y el álbum del mismo nombre.
- Premio Grammy ,1997 con Roy Hargrove's Crisol y el álbum Habana.
- Premio Grammy, 2000 por el álbum Live at the Vanguard Village.
- Premio Grammy Latino, 2009 con el álbum Juntos para siempre, esta vez compartió honores con su padre Bebo Valdés.
- Premio Grammy, 2011 por el Mejor Álbum de Jazz Latino concedido a su grabación Chucho’s Steps, primer fonograma con su nueva agrupación The Afro-Cuban Messengers.
- Premio Grammy Latino, 2002, por el CD Canciones Inéditas, producido por el sello cubano Egrem como Mejor Álbum Instrumental Pop.
- Premio Nacional de la Música Cubana.
- Doctor Honoris Causa en el Instituto Superior de Arte de La Habana.
-Distinción al Mérito Pedagógico en el Instituto Superior de Arte de La Habana.
- Medalla Félix Varela (máxima distinción de la cultura cubana).
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Importantes artistas se presentarán este viernes 13 y sábado 14 de marzo en las canchas de fútbol del Hospital San Juan de Dios. Entrada libre hasta completar aforo.
Aún no sabe que hacer este fin de semana? La Alcaldía Mayor de Bogotá, El Instituto Distriatal de las Artes y la empresa de Renovación Urbanba, lo invitan a a programarse este viernes 13 y sábado 14 de marzo para asistir a dos grandes conciertos en las instalaciones del Hospital San Juan de Dios.
Jorge Velosa, Sistema Solar, La 33, Morena Beat, Palenque Blues, Jiggy Drama, Martina la Peligrosa, Dragón Rojo y Mike Bahía, unirán sus voces a las nuestras para decirle a la ciudad que todos somos el Hospital San Juan de Dios, así como para reivindicar la importancia de este complejo hospitalario en la historia del país.
El viernes 13 de marzo la programación inicia desde las 11:00 a.m con toda la fuerza y el talento de agrupaciones y artistas como Jorge Velosa, Sistema Solar, La 33, Morena Beat y Palenque Blues. El sábado 14 de marzo el concierto arranca a la 1:00 p.m. con el sabor y movimiento de Jiggy Drama, Martina la Peligrosa, Dragon Rojo y Mike Bahía.
Para tener en cuenta
El Hospital San Juan de Dios resucita después de 14 años de haber cerrado sus puertas e inicia su transformación para convertirse en un hospital de cuarto nivel de atención, donde se realizarán trasplantes, se dispondrá de 17 salas de cirugía, servicios de urgencias y se consolidará como centro de investigación científica.
Recomendaciones:
No se permite el ingreso de menores de 14 años edad.
Los jóvenes entre 14 y 18 años deben ir acompañados por un adulto y llevar su documento de identificación.
No se permite el ingreso de mujeres en estado visible de embarazo.
No se permite la entrada de personas en estado de embriaguez o bajo la influencia de sustancias psicoactivas, ni el ingreso de licor.
No está permitido el ingreso de chapas, correas y botas con punta de acero o algún otro objeto corto punzante, así como el acceso a ciudadanos que porten camisetas de equipos o insignias de barras bravas.
No se permitirá el ingreso de envases de ningún tipo, armas blancas o de fuego, objetos contundentes (palos, sombrillas) o cualquier otro elemento que pueda lesionar a los asistentes.
Se recomienda asistir al lugar del evento únicamente con lo necesario
Debe ir bien alimentado(a), con ropa cómoda y abrigada
Debe llevar documento de identidad y afiliación al plan obligatorio de salud.
Durante el evento
Este atento(a) a todas las indicaciones del personal de seguridad
Fije y recuerde los puntos de encuentro en caso que las personas que lo(a) acompañan se dispersen.
Tenga en cuenta principalmente la señalización de entradas, salidas, zonas de acomodación para el público y primeros auxilios.
No obstruya entradas, salidas y zonas de circulación.
Después del evento
Atienda las indicaciones del personal de seguridad.
Desaloje el lugar con calma.
No descuide a sus acompañantes.
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