Bogotá Capital Mundial de la Música? Perdón, pero aun falta mucho para llegar allá!
Es Irrisorio título otorgado a Bogotá, como capital mundial de la salsa cuando hay tantas falencias,
otras 4 ciudades del mundo comparten el título, Sevilla (España), Bolonia (Italia), Glasgow (Escocia) y Gent (Bélgica), el hecho fue anunciado en Montreal, Canadá, el nombramiento producto del Lobby realizado
por la misma Alcaldía, el Ministerio de Educación y la Secretaria de Cultura del Distrito, esto no es sino una oportunidad para acrecentar el turismo, haciendo ver a Bogotá con una tradición entorno a la cultura, la creación, difusión y manejo artístico.... el cual se hace con las uñas!.
Pero lo cierto es que a pesar que tenemos festivales gratuitos y cuanto concierto en cada bar de esquina, no tenemos calidad, los "cachacos" no tenemos cultura, hay que ver que por ejemplo varios hechos:
1. El primero CULTURA: peleas, han enturbiado muchos de los conciertos gratuitos que se han realizado, somos personas estrezadas, violentas en su mayoría, que entorno a un evento no respetamos, es mas no respetamos ni cuando alguien habla algo importante.
2. CENTROS DE ACOPIO MUSICAL también podemos tener la cultura artística mejor que la europea y que la de los Venezolanos en los años 80´s pero es increíble, que no tengamos un propio centro de acopio para este tipo de eventos, el Bogotano se reúne en plazas como cualquier pueblo, "la plaza de Bolivar" como gran cosa para conciertos distritales, "el parque Simón Bolivar", que cuando se hace algo colapsa la movilidad de la ciudad por pequeño que sea el evento, o en su defecto y muy de vez en cuando los viejos teatros de proyección de cine tomados como centros multitudinarios para eventos, quienes son los únicos que actualmente y privadamente se esmeran por traer a algunos artistas de calidad.
3. DIFUSIÓN: siendo metropoli y capital de la música, debemos analizar que aquí llega el 90% del talento artístico de Colombia, al cual se le da muy poca difusión y apoyo, para sonar y citó Alejandro Marin, director de radio de la emisora la X Bogotá en cadena Todelar diciendo: "el artista en Bogotá se quema si no hace medios y antesalas para que se le tenga en cuenta, por eso practica la payola"
4. EDUCACIÓN: dejémonos de vainas aquí hay muy pocos colegios apoyando la música, la clases de esta materia solo se ven como si fuera una "costura", o una clase de relleno para mejorar la actitud del niño, mas no para exhortar la capacidad artística o su desarrollo como proparaciòn a una carrera, hablemos que hay mas apoyo en los colegios privados, y hablamos de un 60% de ellos con educación artística, cuantas academias son apoyadas distritalmente y culturalmente, el gobierno local hace caso omiso a la solicitud de apoyo a los artistas en general.
Así pues, vemos que tras 2 años de haber presentado candidatura en la Unesco, con problemas y todo, nos dieron el titulo, perdón hace años nos conmocionamos por ser "la Atenas Suramericana", y con orgullo sacamos pecho para la época, mas de esa época a ahora, solo un par de conciertos grandes de calidad, que algunos empresarios temerarios y arriesgados se han animado a realizar, pero aún así, decaímos , el festival de teatro decayó sin Fanny, la gente no está leyendo, la gente sufre de pereza cultural, se acabaron los café conciertos y pululan los artistas que sin apoyo, intentan dar cultura en las plazas y parques a modo de rebusque, y en total inestabilidad y el músico se convirtio en manager, director de medios, a parte de lo que hace para poder llegar a mojar prensa sobre si mismo.
Es así que las emisoras han sacado de su programación artistas excelentes y se escudan en que solo siguen lo que la gente pide comercialmente, pero no hay ventanas para venderse.
Tal es el caso de la noticia la semana pasada de la banda Dr. Krapula y otras bandas, haciéndole la guerra a los ritmos como el regueton, que los desbancaron en las radios, con temas antivalores.
En el caso de la salsa gracias a Dios, nuestra orquesta insigne Bogotana de la 33 creo que ha logrado salir adelante en esa lucha y enfrentarse a la hegemonía de que por presentar una mixtura de ritmos, como la pantera mambo, ha sido rechazada en miles de encuentros y hoy se cataloga como una pieza clásica, en la edicion no. 11 hablamos con Sergio Mejia (director de la orquesta), y nos decia que" faltaba apoyo, se están acabando los festivales distritales, a los pocos artistas se les quieren incluir una serie de imposiciones distritales para poder estar en la escena."
Así pues hemos visto desaparecer varias orquestas, y como dice Jose Lebron "no es solo que le den fama y plata a los blanquitos bonitillos, denle oportunidad al artista que si tiene talento y que se esta quemando" edicion 14 entrevista a los Hermanos Lebron
Celia nominada a mejor icono americano por el museo Smithsoniano
Un gran homenaje se presentó por el Museo Smithsoniano, al presentar como nominada a Celia Cruz, como icono de la cultura entre los iconos americanos, la Cubana nacionalizada norteamericana, fue una de las más exitosas intérpretes de salsa del siglo XX; ganó 23
discos de oro y fue reconocida internacionalmente como "La Reina de la
Salsa" y "La Guarachera de Cuba”.
El museo invita a la audiencia a través de su blog a ayudarles a
elegir la figura histórica de su preferencia entre cinco candidatos,
para realizarle un retrato biográfico.
Nominó a el héroe de la II Guerra Mundial Audie Murphy, la activista por el voto femenino Alice Paul, el científico creador del telégrafo Samuel Morse, y el estadista y escritor abolicionista Frederick Douglass.
El ganador se dará el 26 de mayo y su retrato, una vez creado por fotógrafo
Robert Weingarten, será desvelado en el otoño y exhibido en
el Instituto Smithsoniano, asegura una nota publicada en el blog de la
mencionada institución.
para votar y apoyar la moción pueden entrar directo a http://blog.americanhistory.si.edu/osaycanyousee/2012/05/frame-an-iconic-american.html
donde se tomara en cuenta su decisión en la elección.
El Museo Nacional de Historia Americana dedica sus colecciones y becas a
inspirar una comprensión más amplia de la nación estadounidense y sus
numerosos pueblos. Cuenta con más de 3 millones de artefactos en su
colección, su ubicación esta localizado en Washignton D.C.
Era que cuando usted fue a un concierto de rock, un mar de llamas de
alumbradores llevó a cabo gastos indirectos haría el lugar visible de
lejano. Esos puntos de la luz todavía emanan de una demostración hoy,
pero es realmente apenas el resplandor embotado de los teléfonos de la
cámara que chascan lejos en unísono. Todos quiere dejar el concierto con
un recuerdo visual de la experiencia, y ahora la tecnología nos ha
equipado todos para hacerla. Eso no significa, sin embargo, que
cualesquiera de nosotros lo están haciendo derecho.
La fotografía del rock-and-roll tiene una historia
larga y colorida, y uno de los contribuidores más grandes a esa
historia es caballero de Roberto. Desde entonces los años 60, el
caballero ha sido conciertos del shooting, cubiertas del álbum, y
extensiones del compartimiento, formando relaciones laborales cercanas
con los artistas legendarios como Jimi Hendrix
y Rolling Stones a lo largo de la manera. El caballero nos habló
recientemente sobre cómo tirar a dios de la roca y cómo no ser apenas
otra cámara que destellaba en la muchedumbre. Co.Create: ¿Qué consideraciones entran decidir a cómo tirar a un artista?
Caballero: La cosa más desafiadora sobre un lanzamiento vivo es que el
artista es bajo ninguÌn control cualquiera. Es totalmente una situación
a voluntad. Es importante ser tan inofensivo como sea posible al
intentar tirar al artista--esa manera cooperarán con usted. Uno de los
trucos que he hecho durante los años es usar el mismo sombrero para cada
concierto. Qué sucede es que todos ve la boina negra y él sabe que es
yo. Entonces él viene de visita y juega casi directamente a mí a veces.
Era clase de un truco I aprendido a principios de para orientar a un
artista a quién soy si hay muchos fotógrafos que tiran al mismo tiempo.
El truco es obviamente anticipar, y encuentra el punto dulce con la
iluminación. Tiro en un modo manual así que estoy cambiando
constantemente la luz y la exposición mismo. He estado haciendo esto un
rato largo así que mucho es instintivo a este punto.
Rolling Stones
¿Qué un poco momentos en etapa usted intenta capturar?
Con algunas de las vendas tiraba, como Rolling Stones o Led Zeppelin,
qué usted quiso era esos momentos adonde, durante la escalera al cielo,
la página de Jimmy dobla detrás con la guitarra del doble-cuello, o Mick
Jagger que quitaba su correa. Usted quiere coger algo que los otros
fotógrafos no tienen--usted tiene que saber la música, después usted
sabe que está viniendo. Si usted ha visto la demostración antes, usted
tiene una idea bastante buena. Tiendo a mirar los vídeos de
funcionamientos vivos de artistas que nunca he tirado antes para
intentar para ver si puedo conseguir las cabezas-para arriba en los
otros individuos para anticipar algo el artista pudo hacer. Usted tiene
que un poco hacer su preparación antes de que usted vaya.
¿Cuál es el mejor equipo a utilizar para los lanzamientos vivos?
Las cámaras de Nikon son tan versátiles que las utilizo exclusivamente.
Había una época cuando utilicé cámaras del grande-formato, parte
posterior cuando utilizamos la película. Ahora la calidad en digital es
tal que toda lo que usted lo hace es fijar la ISO al ajuste más bajo así
que usted está saliendo la agudeza, la saturación de color, y los
megapixels máximos de la cámara. En una situación del estudio, usted va
para la ISO más baja, pero para una situación del concierto, vivo en
3200, que es el mínimo que tiro en los conciertos de rock. Para la
mayoría de las cámaras, eso no es muy bueno, pero para el Nikon D3 y D4 y
el D7000, que correcto donde viven.
¿Dónde está el lugar óptimo para tomar cuadros en una demostración viva?
La mayoría de los fotógrafos quieren estar en el hoyo, que está
directamente debajo de un artista. Pero un artista no tiene gusto
generalmente de esos tiros porque usted está tirando básicamente encima
de su nariz. Qué tiendo a hacer es tan ir lado-etapa y lanzamiento con
una lente más larga, que es un tiro mucho más lisonjeramente. Si usted
no puede conseguir el acceso, aunque, después usted intenta incorporar
la totalidad de ella toda, pero usted realmente tiene que ser atento que
usted está tirando encima alguien. Una de las maneras que consigo una
ventaja es a veces que me dejan tirar de la décima fila y si usted se
coloca encima de una caja del metal, él es un ángulo mucho más
lisonjeramente en el artista y entonces son absolutamente felices con
esto.
¿Cómo usted va alrededor a conseguir la personalidad de un artista a través en una foto del concierto?
Un vocalista ha conseguido generalmente una cierta clase de personaje
de la etapa. Si es alguien como la cuba de tintura de Jeff que es
realmente casi inexpresiva en su cara mientras que él juega, usted tiene
que mirar sus manos o gestos o cosas del brazo como eso para intentar
crear una imagen. Algunos artistas son apenas increíble activos en etapa
y otros son algo estáticos, así que usted tiene que mirar
constantemente ángulos y la iluminación. Si el artista es
particularmente estático, después intento crear una composición visual
con la iluminación trasera del punto de iluminación, cualquier cosa que
realzaría cuál sería probablemente ordinariamente taladro bonito, de
modo que usted utilice realmente la iluminación a su ventaja para crear
algo más grande que qué está sucediendo realmente. Tiro de realmente
bajo y lanzamiento para arriba en la iluminación sí mismo.
Joe Perry de Aerosmith
¿Cómo usted anticipa o ajusta para que haya la iluminación en el lugar?
La mayoría de los salones de conciertos importantes en América tienen
bastante mucho la misma disposición de la iluminación, así que puedo
comenzar inmediatamente y preocuparme no realmente de ella. Si estoy en
una situación del club, aunque, o un espacio menos-que-estelar del
funcionamiento entonces él llega a ser realmente desafiador. Aquí es
donde está realmente fuerte el Nikon D3 y el D4
particularmente, porque tienen una ISO larga que usted puede entrar en
gama muy alta y todavía conseguir la imagen, mientras que con las
cámaras tradicionales, usted no pueda hacer eso. A le no se permite
generalmente utilizar el flash. En el 99% de demostraciones, prohíben el
flash en conjunto, así que todo baja a la luz disponible.
Usher
¿Qué entra la iluminación de un lanzamiento del compartimiento contra un concierto?
Utilizo la iluminación del estudio mucho, o llene la iluminación. Es muy
lisonjeramente, particularmente con los más viejos artistas. Usted
intenta no crear las situaciones de la iluminación donde demuestran su
edad. Usted quiere ser bueno con ellas. Él clase de una cosa tácita.
Tengo ciertos artistas que me cerciore de no poner hacia fuera los
cuadros que hacen les mirada tan vieja como son. Si usted está haciendo
un lanzamiento del compartimiento o una cubierta del álbum, usted quiere
traer su propia iluminación del terraplén. Utilizo la favorable foto,
pero soy más la misma calidad. Por supuesto, los softboxes son realmente
importantes para allanar la luz. La quimera hace una porción entera de realmente, bien, los platos hermosos de la
belleza y los grandes octaboxes grandes que ablandan realmente la luz,
pero completa adentro una manera que sea lisonjeramente; considerando
que si usted utiliza un flash pelado o un flash portable, no está como
adulando para las situaciones del estudio.
¿Cuál es la diferencia en técnica entre tirar en los conciertos y artistas que tiran en un ambiente controlado?
En una situación donde usted puede controlarlo, donde el artista está
trabajando con usted uno en uno, usted quiere realmente conseguir en la
psicología del artista. Usted intenta moverse lo más rápidamente posible
porque la mayor parte de utilizan a estos artistas de la Uno-lista a
tirar con los fotógrafos superiores del mundo. Los aburren, ellos no
quieren tomar más que uces par de minutos para conseguir algo hecho.
Usted tiene que tener su acto junto. Generalmente, consigo dondequiera a
partir dos minutos a 15 minutos para lograr el tiro actual. Tan si
estoy haciendo algo con Aerosmith o reduzco radicalmente, intento
conseguir en el lanzamiento tan rápido como sea posible. Si me dicen
tenga 30 minutos, yo intentan hacerlo en 15. Si dicen 15, intento
hacerlo en siete. Tan cada vez que el artista sabe si vuelvo nunca a
ellos otra vez, eso soy realmente fácil de trabajar con y no los empujo y
no extiendo demasiado mi situación con ellos.
Raya vertical
¿Qué un poco artista hace al mejor tema?
Idealmente, usted quiere alguien que muy uno mismo-se realiza. La
raya vertical es la estrella del rock consumada, él tiene todo: los
tatuajes, las correas, las cadenas, las pulseras, un sombrero superior.
Algunos artistas son bastante suaves de la manera que se visten.
Digámosle están tirando a un artista acústico durante horas de un par;
hay variación muy pequeña, así que usted tiene que conseguir realmente
creativo en ángulos o algo. Pero los mejores artistas a tirar son
generalmente los más coloridos, de vestido y de personalidad. Usted ha tenido relaciones amistosas con algunos de sus temas durante los años; ¿ayuda a la foto si usted sabe el tema como persona?
Hace. Cuando I primero comenzó en fotografía del concierto, no había que
muchos de nosotros que lo hacían, y los artistas eran felices de
vernos. Ahora, hay muchos artistas, particularmente sus TMZ stars, que
son molestados por los fotógrafos. Tienden a gravitar o a trabajar más
uno en uno con usted personalmente si saben que quién usted es y ven que
usted está allí, en comparación con alguien realmente que es
desagradable y apenas que los acecha. Intento tan no conseguir en la
cara del artista. Cuando usted está en el hoyo, son muy conscientes que
usted es ese cierre. Intento conseguir tan cerca como puedo, pero no ser
desagradable. Usted tiene que orientarlos para querer trabajar con
usted para conseguir un buen tiro.
Usted trabajaba con el Jr. de Gary Clark del guitarrista en el sur de Southwest el mes pasado para el sonido de Warner capturado por Nikon; ¿como cuál era eso?
Una situación se presentó en Austin en donde Nikon dio cinco cámaras a
cinco cabritos del centro urbano, y entonces los expedientes de Warner
Brothers permitieron que Gary, que es un guitarrista realmente grande y
emergente de la estrella del rock en el momento, saliera y que
encontrara a los cabritos. Él estaba allí inspirarlos, pero también
conseguí enseñarles sobre cómo tirar. Cuando usted puede afectar a los
cabritos en esa edad, puede ser que cambie el curso entero de sus vidas.
Ése era uno del punto álgido para mí, pudiendo enseñar esos cabritos
algo y ayudar a conseguir Gary Clark hablar con él. Uno de los grupos
implicados era esta organización llamada Music Unites,
y en este caso, vivió realmente hasta el nombre--Significo, la música
trajo a una estrella del rock y estos cabritos y un fotógrafo junta
guardar ir del rock-and-roll.
¿Hablando de la enseñanza, usted tiene extremidades finales
para los aficionados que intentan para tomar un buen retrato del
concierto?
Si usted puede dirigir y saber utilizar una lente de telephoto, usted
puede conseguir una ISO realmente buena y un realmente bueno F-para, y
usted quiere realmente tirar a una alta tasa de velocidad. Su velocidad
de obturador necesita ser 125a o más rápida para un telephoto, así que
un poco trabajo al revés, si puedo levantarme a 400o de un segundo 320o
de un segundo, y tengo algo un pequeño ancho o abierto F-pare, que es
donde usted consigue realmente un retrato lisonjeramente. Muchos
fotógrafos sufren de no conseguir bastante cercanos a un artista, así
que tiende a hacer que un cuadro mira más bién alguien usando
punto-y-tira. Qué se separa la buena fotografía del concierto es
generalmente cuando el fotógrafo puede utilizar el telephoto handheld y
llenar el marco del artista. Mira a más intimate y usted hace un impacto
más grande al demostrar su lista e intentando conseguir a alguien la
atención, demuestra que usted tenga cierta forma de acceso y usted es
también realmente bueno, si usted puede dirigir eso.
Su voz todavía retumba en cada esquina del país. Su grito musical, ese “Ecuajey”, sigue provocando, hechizando. Ismael Rivera, “el Sonero Mayor” logró con ese cantar tan suyo dibujar a un pueblo con sus alegrías y penas. Le dio voz a la gente pobre, a la gente negra, a la gente linda, logrando traspasar generaciones y fronteras. Con una potencia interpretativa única, capaz de hacer sentir cada palabra, Ismael Rivera se mantiene vivo en la memoria de un pueblo que hoy, a 25 años de su muerte, no lo olvida y que sigue cantando y bailando con sus canciones.
Biografía
Ismael Rivera nació el 5 de octubre de 1931 en San Mateo de Cangrejo en Santurce, fruto del matrimonio de Margarita Rivera (doña Margó) y Luis Rivera Esquilín, quienes luego se divorciaron. Se crió en la calle calma en Villa Palmeras y se desempeñó como limpiabotas y albañil. Desde niño demostró su pasión por la música, la cual se avivó cuando conoció en la adolescencia a su amigo y cómplice musical Rafael Cortijo. En 1954 se estrenó como cantante de la Orquesta Panamericana, dirigida por el maestro Lito Peña, convirtiendo en éxitos temas como Chacha in blue y Charlatán. En 1955 se unió como cantante de El Combo de Rafael Cortijo, popularizando canciones como El bombón de Elena, El negro bembón y Con la punta del pie, entre tantas otras canciones. En 1962, Maelo fue arrestado y acusado por posesión de drogas y cumplió cuatro años de cárcel. A su salida, se reintegró a la música, creando en Nueva York su banda Los Cachimbos. El éxito que obtuvo lo llevó a recorrer el mundo con su música, destacándose en países como Venezuela, Colombia y Panamá, donde se hizo devoto del Cristo Negro de Portobelo.
El 13 de mayo de 1987 la muerte sorprendió a Maelo, a los 56 años de edad, en la casa de su madre en la calle Calma de su barrio santurcino que lo vio nacer. El mundo entero lloró su muerte.
Visita el especial Ecuajey: Maelo vive
Entierro
El entierro de Ismael Rivera fue uno de los más concurridos en la historia de Puerto Rico.
“Dicen que el más grande fue el de (el gobernador) Luis Muñoz Marín y que el de Maelo lo sobrepasó”, contó Ivelisse Rivera, hermana de Maelo.
Cuando murió “el Sonero Mayor”, el 13 de mayo de 1987, el entonces gobernador de Puerto Rico, Rafael Hernández Colón, declaró tres días de duelo. El cuerpo del cantante estuvo un día expuesto en el Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) y luego pasó al centro comunal del residencial Luis Llorens Torres. Artistas como el compositor Tite Curet Alonso, los cantantes Celia Cruz, Rubén Blades, Andy Montañez, entre tantos otros, estuvieron presentes. Fue un entierro de pueblo al que asistieron miles de personas. La música no faltó: se tocó bomba y plena durante los tres días. Aunque hubo coche fúnebre, nunca se utilizó porque el pueblo insistió en cargar el féretro, que era abrazado por una bandera de Puerto Rico.
Ivelisse Rivera recordó que el entierro se le fue de las manos a la familia y que pasó lo que les había dicho Ismael Rivera.
“Él lo había dicho: ‘No me van a enterrar ustedes, a mí me entierra el pueblo’. Y así fue”, rememoró.
Ismaelito Rivera, hijo del Sonero Mayor, por su parte, comunicó que países como Panamá y Venezuela también se vistieron de luto. Indicó que hace 25 años el barrio La Bombilla en Venezuela conmemora la fecha de la muerte de su padre. Destacó que lleva 16 años participando esa actividad y que este año no será la excepción.
“Creo que la mejor manera de recordar a mi padre es haciendo música y oyendo la de él”, concluyó.
Cuando el sonero Andy Montañez dejó El Gran Combo de Puerto Rico,
muchos salseros pensaron que la orquesta decairía, que no existía otro
cantante que diera la talla del “Niño de Trastalleres”.
Pero se equivocaron porque la orquesta continuó exitosa con la
llegada de un muchacho blanco de ojos azules, quien con su voz y
presencia complementó la cadencia de “Los Mulatos del Sabor”, quienes
siguieron conquistando fanaticada en diversos países donde todavía los
reciben con gran cariño.
El 19 de abril de 1977, Jerry Louis Rivas Díaz cantó por vez primera
con El Gran Combo de Puerto Rico, en el antiguo Club Caborrojeño de
Guaynabo. Interpretó “Buscando ambiente” compuesta por el trompetista
Taty Maldonado.
Cuando Ithier contrató a Jerry Rivas, la noticia alegró muchísimo al
cantante, quien se sintió como si se hubiese pegado en la lotería. Sin
embargo, fue difícil ganarse los aplausos de los fanáticos de Andy y el
reconocimiento de otros cantantes salseros.
“Tenía que batallar con los fanáticos de Andy Montañez. Me decían en
la cara que yo no estaba en na’, que yo era muy blanco, que no cuadraba
con el grupo. Tuve mis frustraciones también porque no fue fácil.
Gilberto Santa Rosa entendía que yo no estaba en na’. Estaba molesto
porque se suponía que él era el que iba para El Gran Combo. Gilberto
dice que me odiaba…”, reveló Jerry.
Reconoció que Ithier le enseñó cómo interpretar una buena salsa,
porque aunque él es músico, “es un cantante de salsa innato, un
guarachero. Todo el mundo pensaba que El Gran Combo se acababa con la
salida de Andy y apareció este jíbaro, pero entiendo que Charlie Aponte
es el que coge las riendas. Tenía la responsabilidad grande. Desde el
principio, Charlie siempre estuvo ahí; no había cosa de celos. Él fue un
apoyo todo el tiempo. Cualquier cosa que yo le preguntaba, él me
ayudaba”, indicó Jerry.
El intérprete, quien nació en Tampa, Florida, llegó a la Isla cuando
tenía 5 años de edad. Aunque se crió en Cataño y en Bayamón, se siente
orocoveño, de tierra adentro y jíbaro de corazón porque su familia y sus
padres Primitivo Rivas y María Díaz eran naturales de Orocovis.
Antes de ser salsero fue roquero y guitarrista, pero aprendió a
escuchar salsa gracias a su hermano mayor José Enrique y a su admiración
por Cheo Feliciano. También se deleitaba mirando a El Gran Combo, en el
desaparecido Show de las Doce de Telemundo.
Como se crió en una familia alegre que le gustan la música y las
parrandas navideñas, Jerry aprendió a tocar guitarra por su cuenta
cuando tenía 13 años. Poco tiempo después, el tresista Carlos Seguí le
enseñó en Santa Mónica, Bayamón los primeros acordes del tres,
instrumento que se convirtió en el amigo inseparable del salsero.
Sus inicios en orquestas de salsa se remontan cuando de adolescente
perteneció al Conjunto La Cojoba, donde tocaba el tres. En ese grupo,
Frank Ferrer le pidió cantar dos boleros en un disco; uno era de Antonio
Cabán Vale, “El Topo”.
“Yo no sé si ‘El Topo’ recuerda cómo le maté ese bolero. La primera
vez que soneo fue en ese disco. Tenía como 18 años”, recordó bromeando
el cantante.
Luego, organizó el Conjunto Chaney junto a Nicolás Vivas y la
Orquesta La Vuelta junto a unos amigos y al músico Tommy Villariny.
Antes de ingresar a El Gran Combo, cantaba en Latin Brass a los 21 años
de edad.
Cuando surgió el rumor de que Andy se iba de “Los Mulatos del Sabor”,
Jerry no pensaba pedir una audición a Ithier porque consideraba que El
Gran Combo era muy superior para él. Sin embargo, el destino lo llevaría
hacia la mayor oportunidad de su vida musical.
“Me llamó el timbalero de El Gran Combo, Mike Marrero, y me dijo que
estaban buscando muchachos cantantes que quisieran audicionar con la
orquesta. Yo no le hacía caso porque pensé que era una broma de mis
amigos. Él me hizo la primera llamada, la segunda llamada. Él se da
cuenta de que yo no le estaba creyendo… La tercera llamada fue la voz de
Rafael Ithier que me dijo: ‘Tú no vas a venir (a la audición) porque
hace rato estoy esperando por ti’… Mi papá y mamá se pusieron bien
contentos”, contó el intérprete de “Y no hago más na” y su versión nueva
“Echar pa’lante”.
Nervioso acudió a la casa de Ithier en Bayamón, donde debió cantarle el merengue “Compadre Pedro Juan”.
“Ahí me dijo que fuéramos al estudio de grabación Ochoa Recording en
Hato Rey (San Juan). Allá fue la prueba de fuego porque estaban grabando
un disco cuando El Gran Combo cumplía 15 años. Cuando hago mi audición
cantando la salsa ‘Vamos’, estaban varios del grupo, pero vi que no
estaban muy contentos conmigo.”
Al otro día, Ithier les puso una grabación de la interpretación “La
mentira” con Latin Brass. Sin saber que el cantante era Jerry, los
integrantes del grupo aprobaron la voz. Cuando Ithier les indicó que era
“el mismo jíbaro que ustedes dijeron que no estaba en na”, todos se
asombraron y lo aceptaron en la orquesta.
La primera canción de Jerry que sonó en la radio fue “Buscando
ambiente” y después “Que falta de respeto”. En realidad, “la que se oyó
bastante más fue ‘La clave y el bongó’, composición de Agustín Lara. Si
vamos a hablar de cuál fue mi primera canción que se pudo escuchar duro
fue ‘El menú’ de Perín Vázquez”, dijo el salsero, quien recuerda lo
tímido que se sentía cuando hizo su debut en el programa famoso de Wapa
TV, “Luis Vigoreaux Presenta”.
A partir de esos temas, el vocalista ha logrado calar con canciones
exitosas, tales como “Ámame”, “Tintineo de copa”, “Gota de lluvia” y “No
te detengas a pensar”.
Son muchas las experiencias jocosas que ha vivido junto a sus
compañeros de la orquesta, pero jamás olvidará cuando por poco se
electrocuta durante un baile en el salón Palladium que estaba localizado
en Río Piedras. Cuando agarró un micrófono sintió una descarga
eléctrica y gracias a Dios, volvió a nacer porque Charlie se dio cuenta
del problema y desenchufó el micrófono rápidamente.
Resume sus 35 años en la orquesta como “un gran aprendizaje de cómo
realizarse como ser humano en todo y una de mis grandes satisfacciones
es que he podido levantar a mi familia estando en El Gran Combo. Este
grupo se debe al pueblo, nació del pueblo y morirá en el pueblo.
Representa a nuestra Isla y hay que representarla dignamente”, expresó
Jerry, quien dice en broma y en serio que aspira ser reconocido también
como “El Tresista del Swing”.
