Celia Cruz Una década después de su muerte, la artista sigue siendo considerada como "La Reina de la Salsa".

Celia Cruz, diez años de su muerte

Diez años sin Celia Cruz

Una década después de su muerte, la artista sigue siendo considerada como "La Reina de la Salsa".

 

 

 

 

 

La poderosa voz que inmortalizó el inconfundible grito de "¡Azúcar!", símbolo de la salsa cubana, calló para siempre hace diez años, dejando huérfano al género musical de una de sus mayores artistas, la inimitable Celia Cruz.

Conocida como "La Reina de la Salsa", Cruz hizo bailar al mundo con sus vestidos de colores alegres, el dinámico contoneo de caderas característico de la música latina, y pegadizos temas que en parte versionó, desde el mambo de Tito Puente "Oye cómo va" a la canción popular cubana "Guantanamera".
Nacida Úrsula Hilaria Celia de la Caridad Cruz Alfonso, en su trayectoria obtuvo siete premios Grammy y una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en 1987, a lo largo de una carrera en la que también internacionalizó melodías propias, como "La negra tiene tumbao", "Quimbara" o "La vida es un carnaval".

Celia Cruz jamás reveló en vida su edad real ante los medios, por lo que son muchos los que divergen al fechar su nacimiento en 1920, 1924 o 1925; años que precedieron a una infancia en La Habana con sus padres, hermanos y primos, quienes conformaban una familia cuyas raíces descansaban en antepasados afrocubanos.

En una entrevista a The New York Times, la cantante confesó que su intención inicial era ser "madre, profesora y ama de casa", aunque descartó este método de vida en 1950, cuando se convirtió en la líder del grupo La Sonora Matancera y dio comienzo oficial a su carrera en el mundo de la música.

Diez años después, el grupo al completo abandonó Cuba, tras el ascenso al poder de Fidel Castro, y en 1962 Cruz se casó con uno de los trompetistas de la banda Pedro Knight, iniciando un matrimonio que duró 41 años, hasta la muerte de la célebre cantante.

Una anécdota recurrente, recogida en sitios web y en libros infantiles sobre la vida de Celia Cruz, narra un día en el que la artista tomaba café en un restaurante y el camarero le preguntó si quería azúcar: "¿Azúcar? ¿Cómo puede preguntarme eso? ¡Soy cubana! Sí, ¡con azúcar!", en un particular arrebato que sentaría las bases de su grito más famoso.

Otro de los iconos referentes que Celia Cruz popularizó fueron sus zapatos, de tacón invertido, de los que tenía más de 60 pares creados exclusivamente para ella, y que con el tiempo su fama ha propiciado que los rescaten personalidades como Lady Gaga.

La Sonora Matancera, ya asentada en Estados Unidos, se mantuvo durante quince años hasta su disolución en 1965, fecha en la que Celia asumió su carrera como solista y su marido desempeñó el papel de representante, como nuevo paso en una trayectoria que contaría con más de 70 discos grabados.

El séptimo arte ha incluido en más de 30 películas alguna canción de Celia Cruz, en cintas de temática musical, hispanoamericana o sobre mafias latinas, como "Los reyes del mambo tocan canciones de amor", "Atrapado por su pasado", "Amores perros", "Sangre y vino" o "Blue in the face".

Tras 50 años ininterrumpidos de trabajo musical, truncados en 2003 con su muerte y entierro en el Bronx, los homenajes y gestos de recuerdo a la cantante se multiplicaron, en especial en Estados Unidos, que renombró una calle de Miami en su honor y levantó una placa con su nombre entre las banderas estadounidense y cubana del Ayuntamiento de Union City, en Nueva Jersey.

Además, "La Guarachera del mundo" fue protagonista en 2011 de la tirada conmemorativa de sellos estadounidenses "Leyendas de la Música Cubana", junto a Tito Puente, Carmen Miranda, Selena y Carlos Gardel.

Celia Cruz pasó de cantante a leyenda el 16 de julio de 2003, en una semana negra para la salsa cubana que también arrebató al mundo dos días antes las cadencias musicales de los llorados Tito Duarte y Compay Segundo.

Por: Samuel Regueira

 

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Rubén Blades hará un disco de boleros

 

 

 

Los proyectos se acumulan en la agenda de Rubén Blades, cantante, poeta, actor, abogado y político panameño que, en eso de que "la vida te da sorpresas", como él cantaba, sigue afrontando retos como grabar un disco de boleros con Paco de Lucía o rodar con Robert De Niro el biopic del boxeador Roberto Durán.

"Tengo más pasado que futuro", dijo hoy Blades en una entrevista con el presidente del Grammy Latino, Gabriel Albaroa, como parte de los eventos de la Conferencia de Música Latina Alternativa.
Pero si bien es cierto que en su patrimonio pretérito está la bandera de la "salsa intelectual" en solitario o con Willie Colón, una carrera por la presidencia de su país, Panamá, o un título de abogado en la universidad de Harvard, lo venidero no se presenta menos activo.

"Todo lo que se me ocurre que tenga la oportunidad de grabar lo voy a hacer. Ya empecé", aseguró ante los presentes.

Entre los proyectos musicales que destaca está un disco de boleros con Paco de Lucía a la guitarra. "Es algo que siempre quise hacer. Hablé con Paco y dejé claro que lo vamos a hacer. Es un genio, un monstruo", asegura.

En cine, otra de sus pasiones en la que, además, no ha llegado a consagrarse, rodará en otoño al lado del ganador de dos premios óscar Robert De Niro la película "Hands of Stone", la biografía del boxeador panameño Roberto Durán, a quien dará vida Edgar Ramírez. "De Niro será el entrenador, Ray Arcel, y yo el mánager de Durán", explicó.

Blades, quien vendiera millones de discos con "Siembra" en 1978 junto a Colón, prepara un disco de su género, la salsa, pero con el tratamiento diferente que le da la colaboración de la formación vocal brasileña Boca Livre. Once temas en español y ocho en portugués conformarán este trabajo.

El tango tampoco se le resiste, pues tiene pendiente de publicación un álbum producido por Carlos Franzetti y con la orquesta de tango Leopoldo Federico, y también se dará al rock en otro disco del que no ha dado más detalles, además de regrabar muchos de los temas que hizo con el sello discográfico Fania.

Finalmente, en otoño se le podrá ver en las pantallas estadounidenses con la nueva película de Ridley Scott, "The Councelor", con un reparto de "talentos de primer orden. Están Javier Bardem, John Leguizamo, Rosie Pérez... y también otra gente como Brad Pitt", bromeó.

 

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Disquera de Rubén Blades aseguró que "Pedro Navaja" era un desastre

 

  

Los ejecutivos me dijeron que estaba loco, que el disco iba a ser la muerte comercial de Willie Colón, que no había quién lo sacara, que era un desastre, especialmente 'Pedro Navaja''



Nueva York.- Si hay una canción que identifica a Rubén Blades es "Pedro Navaja", del álbum "Siembra". Pero cuando el músico panameño se la presentó por primera vez a su disquera, hace más de 30 años, los ejecutivos la calificaron de "desastre".

"A mí los ejecutivos me dijeron que estaba loco... Dijeron que el disco iba a ser la muerte comercial de Willie Colón, que no había quién lo sacara, que era un desastre, especialmente 'Pedro Navaja'''.

Así explicó hoy Blades sus inicios a un público formado por jóvenes músicos, durante una charla con el presidente de la Academia Latina de la Grabación, Gabriel Abaroa Jr., en el marco de la Conferencia de Música Latina Alternativa (LAMC) que se celebra en Nueva York.

Lo que vaticinaron como un desastre, acabó convirtiéndose en tal éxito que "Siembra" es, con "Pedro Navaja" y más de 25 millones de copias vendidas, el disco más vendido en la historia de la salsa. El álbum era una colaboración de Blades con Colón para la famosa disquera de salsa Fania Records.

"Fue la gente quien hizo del disco un éxito", dijo Blades. "Fue algo que fue de boca a oreja. Pegó fuerte fuera de Nueva York, y eso fue importante porque demostró que Nueva York no era el centro de todo. En Venezuela, Colombia y Puerto Rico fue donde el disco agarró y la gente empezó a llamar a las emisoras para que pusieran 'Pedro Navaja'''.

Para el salsero, actor, abogado y ex político, el éxito del tema que relata la muerte de un criminal neoyorquino se debió en parte a que en vez de hablar sobre el amor como en el resto de los salseros, abordaba un tema urbano.

"Escribimos algo diferente y eso convirtió el disco en ser el primero de salsa que vendía más de un millón de copias", expresó. "Lo compraba todo el mundo, ya que el disco hablaba de la ciudad, de lo que le pasa a todo el mundo".

En este sentido, Blades animó a los jóvenes músicos presentes a "escribir tu propio material".
"Nunca se sabe lo que va o no a funcionar".


Tomado de Primera Hora

Tras el cumpleaños numero 77 de Oscar D´Leon la pagina de la salsa resalta un pequeño perfil de su vida.

Tras el cumpleaños numero 77 de Oscar D´Leon la pagina de la salsa resalta un pequeño perfil de su vida.

“Cuando sufrió el accidente en su ojo, él era el más positivo, siempre decía: ‘Vamos adelante que todo va a salir bien’, esto influyó mucho en su pronta recuperación. Es un hombre muy alegre y carismático”, así se refirió Yaneth Trejo, violinista de la orquesta, al cantante Óscar de León, en comunicación con El Espacio desde Venezuela, donde el llamado ‘Sonero del mundo’ prepara nuevos conciertos con esa alegría y entusiasmo que desborda tanto en los escenarios como en la vida personal.


Su nombre de pila es Óscar Emilio León Simoza, pero en el mundo artístico es conocido como Óscar De León o ‘El faraón de la salsa’, nacido en un día como hoy, hace 70 años, en esa Caracas de los años 40 y sus padres son Carmen Dionisia Simoza y Justo León.

Desde pequeño, el gran venezolano dio visos de ser un gran cantante y músico y fue así como en la escuela de su natal Caracas hacía sonar el pupitre como si fuera un bongó o una conga, influenciado por la Sonora Matancera y El gran Benny Moré. Una de las personas que quizás sin saberlo lo fue llevando por el camino de la salsa, fue su padre, quien escuchaba la música tropical y antillana que en ese momento sonaba y que Óscar supo guardar en su memoria, para luego ser el cantante más reconocido de esta nación suramericana.

El taxista de la salsa

Pasaron algunos años y ya en la adultez, Óscar de León, como lo bautizó su gran amigo, el arreglista y compositor Víctor Mendoza, alterna esa vocación por la música con su profesión de taxista y chofer de autobús.

“Esta época en la que Óscar ‘mataba tigres’ de día y de noche como él mismo refiere, cambió cuando casi al mismo tiempo le chocan el autobús, y el dueño del local donde tocaba de noche decide prescindir de sus servicios. Inspirado por la clave y el son de su inseparable bajo, decide ampliar la banda y conformar una auténtica orquesta de salsa, con la que nace la famosa ‘Dimensión Latina’”, reza uno de los tantos escritos que existen sobre el músico.

Jairo Martínez, manager de varios artistas, señaló que quien chocó el bus que manejaba Óscar sin saberlo le dio un aventón bien grande y mandó un gran sonero a la salsa. Pero además de conductor y músico, también fue mecánico, lo que ha sido ejemplo de que los sueños sí se pueden alcanzar.

Solo en el mundo

Los conocedores de este género musical señalan que era tanta la influencia y la importancia de Óscar de León en la ‘Dimensión Latina’ –la que creó junto al trombonista César Monje–, que para llenar su vacío en el momento de partir, trajeron a Andy Montañez, creador de ‘El Gran Combo de Puerto Rico’ –es ese momento señalada como la transferencia del siglo en la salsa–, otro ‘Titanic’ para hacer menos notoria su ausencia, mientras tanto ‘El sonero del mundo’ se abría camino con pasos agigantados en el mundo musical. “Es amante de su hogar, ama a su esposa, su vida ha sido ejemplar, es muy carismático, muy sentimental, cada vez que se sube a la tarima es como si fuera la última, se entrega en el escenario”, señala ‘Quike’ Sánchez,  coleccionista que ha seguido su trayectoria musical.

Su bajo

instrumento que el gran sonero aprendió a interpretar de manera autodidacta y que tocaba mientras sonaban los temas en los viejos vinilos.

‘Mi bajo y yo’ fue una de sus primeras composiciones y es un homenaje, como él mismo lo dice, a ese amigo inseparable con el que danza en el escenario y le hace recobrar vida.

Cabe recordar que uno de los conciertos –Festival de la salsa– más apoteósicos fue el realizado junto a su hijo en Estados Unidos, donde desde la tramoya del teatro donde se presentaba le dejan caer el bajo de color blanco e interpreta de manera magistral esa canción.

Como la frase ‘Óscar no vive de la salsa, vive para ella’, así es la vida de este sonero que dejó en el pasado las afecciones de salud que lo afectaron y que con su vigor, talento, voz magistral e improvisación ha hecho que sea hoy por hoy uno de los más grandes salseros. Solo resta decir que a “TODO SEÑOR, TODO HONOR...”



Tomado del Espacio
escrito por John Cerón

Oscar D´Leon conquista los corazones de los niños en aparicion en el film "Mi Villano Favorito 2".

Oscar D´Leon conquista los corazones de los niños en aparicion en el film "Mi Villano Favorito 2".

Oscar D´Leon, "el Faraon de la salsa", conquista los corazones de los niños en aparicion de un tema que pertenece a su repertorio, en el film "Mi Villano Favorito 2"  ; El Sonero del Mundo colocó su voz y su ritmo para darle vida al personaje “El Macho”, en una escena en la segunda entrega de la comedia animada de Universal Pictures “Mi Villano Favorito”.

El tema con el que el interprete Venezolano Oscar D´Leon, participa en la Pelicula Mi villano Favorito parte 2, actualmente en cartelera y que ha recaudado  $540 millones de dólares solo en su primera entrega, se llama "Cielito lindo, La negra mariachi medley" y realmente fué una participación en el disco de Eddie Palmieri y Tito Puente "Masterpiece Obra Maestra" del año 2000, aquí la caratula.

En el minuto 46 el antagonista de la pelicula infantil  "Macho" aparece bailando, lo cual ha servido para que miles de pequeños fanáticos salseros ya lo esten nombrando.

Al respecto D´Leon en su Twitter comentó:

 
Es la segunda participación del "Sonero del Mundo" en una cinta para niños, su primera aparición fue en "Locuras del Emperador" (The Emperor's New Groove), en el año 2000, film que tuvo una nominación al premio Oscar de la Academia, como mejor Film animado.


El film, retoma la historia de Gru, esta vez como padre de familia, quien es buscado por 'agentes secretos' para ayudar en la búsqueda de un terrorista infiltrado en la población, quien inyecta un virus en animales convirtiéndolos en monstruos agresivos.

FRUKO: EL SECRETO DEL SABOR - Homenaje a Julio Ernesto Estrada

FRUKO: EL SECRETO DEL SABOR

 

En las polvorientas memorias de la historia de la música caribeña nacional existen nombres que se llegaron a convertir en símbolos, sinónimos, fieles reflejos de fenómenos socioculturales. Personajes que gracias a su invaluable legado, juiciosamente construido a lo largo de años de constante y disciplinado trabajo, adquirieron la calidad de referentes de un país hasta en los más recónditos e inimaginables rincones del planeta. Ídolos, artífices aventajados, héroes de barrio cuyo principal poder fue su talento innato y adelantada visión para escribir páginas gloriosas de nuestra historia urbana. Entre estos artistas hay uno en particular cuya sola mención evoca un periodo, un boom, nos conduce a tararear inconscientemente una canción, a reproducir en la mente las imágenes de figuras legendarias, a recordar el logo de una compañía musical que se convirtió en pionera de nuestra industria fonográfica, pero sobre todo, a erigirlo como uno de los máximos exponentes (si no el más grande) de la salsa en Colombia. 

Para la mayoría, el nombre de Julio Ernesto Estrada Rincón no dice mucho. Quizá sea reconocido por expertos, coleccionistas y melómanos, mas no ocurre lo mismo con el radioyente casual, el salsero aficionado y el bailador. En cambio, si decimos Fruko, la cosa cambia, porque entendemos que se trata de una genuina leyenda viva de la música tropical colombiana.

Este texto no pretende otra cosa diferente a recordar hoy, el día de su cumpleaños, esa figura bonachona, tan sencilla como talentosa, a la que tanto le debe el género caribeño criollo. Tratar de brindar, a vuelo de pájaro, una corta semblanza del hombre y del músico, haciendo especial énfasis en su recorrido con Los Tesos, ya que ahondar en toda su vida artística requeriría de un escrito extenso y profundo, obra biográfica que aún no se ha escrito, o por lo menos no conozco.

Más de cinco décadas han transcurrido desde que el hijo de Baudilio Estrada y Alicia Rincón empezó a sentir el llamado de la música, pasión y virtud que heredó de su abuelo cubano Luis Felipe Rincón, quien llegó a Medellín cuando se construía el túnel ferroviario de la Quiebra; desde que sus tíos ponían a sonar los discos que eran éxitos en Radio Ondina; desde que escuchó la música sabrosa que retumbaba en las juergas nocturnas del Cumaná, el rumbeadero frente a su casa en el barrio Naranjal de la capital de la montaña; desde que le compró esa flauta metálica al compositor Crescencio Salcedo y empezó a soplar desafinadas notas de las cumbias y porros de moda en ese entonces; desde que doña Rosa de la Parra, su abuela española, lo recriminaba continuamente porque escuchaba “música para negros”; desde que le negaron el ingreso al colegio por rebelde y buscapleitos; desde que inició labores en Discos Fuentes con sus tíos Mario, Jairo y Jaime Rincón; desde que hizo estudios de solfeo, armonía y dictado en la escuela Virgilio Pineda con los maestros Manuel Cervantes, Juancho Vargas y Julio García. 

El pequeño Julio Ernesto estaba predestinado a triunfar y la fortuna fue benévola con sus sueños. Siendo apenas un niño empezó a trabajar de mandadero en la próspera compañía fonográfica paisa, llevándoles el almuerzo a sus tíos y demás empleados, y después como utilero cargando y acomodando micrófonos, cables, atriles e instrumentos musicales en el estudio. Joselito (como le decían) ya se sentía en su salsa, en el medio que le gustaba, afinando el oído con los instrumentos de percusión, aprendiendo empíricamente los secretos y técnicas de grabación en estudio, y conociendo las grandes figuras del concierto caribeño como Daniel Santos y Miguelito Valdés, entre muchas otras.

Pronto, se ganó la confianza y admiración de don Antonio Fuentes, acaso el pionero genio de la música tropical colombiana, quien reconociendo su inmenso potencial tomó la decisión, inicialmente, de dejarlo grabar a las agrupaciones novatas, y más adelante a sus estrellas incluyendo a los consentidos Corraleros de Majagual, que a la postre terminó convirtiéndose en la banda con la que debutó como músico, en 1965, ejecutando el timbal.

En sus correrías con la banda de Eliseo Herrera, Calixto Ochoa y Alfredo Gutiérrez por Venezuela, sintió la urgente necesidad de empezar a grabar salsa brava en Colombia como la que estaban haciendo los artistas Fania en Nueva York, El Gran Combo en Puerto Rico, Ray Pérez y Tabaco en Venezuela. Si bien en el país algunos artistas habían hecho algunos temas salseros, aun no existía identidad, carecíamos de una agrupación que despuntara, que pegara fuerte, que tomara la batuta como representante de la salsa en el país, que fuera la primera “gran” orquesta de salsa colombiana. Así fue que nació la idea, la genial idea de Fruko.

La anécdota sobre la forma como adoptó el nombre artístico la ha repetido incansablemente en entrevistas, siempre con una amplia y amable sonrisa: “En la época cuando tenía 12 o 13 años, en los Altos del Hotel Nutibara había un anuncio de la fábrica de conservas de Fruco. Una muñequita que prendía y apagaba, y entonces los amigos allá, Lisandro Meza, Mario Londoño, Pedro Nel Isaza, en el estudio, unos músicos, decidieron bautizarme, ponerme el alias, ‘ese se parece a Fruco’ ”.

Su ópera prima con Los Tesos data de 1970, cuando graba “Tesura” con la primera voz oficial del grupo: Humberto Muriel González, “Huango”. Esta producción, descrita por Fruko como “experimental”, sirvió para que se moldeara el estilo, sonido y conformación de la banda. Habida cuenta de que solo se lanzaron 400 copias al mercado, no fue un producto que le representó ganancias a la compañía ni al naciente director musical, pero definitivamente fue el punto de partida de una exitosa carrera. Actualmente el disco, por su limitado número de ejemplares disponibles en buen estado, se ha convertido en una apetecida pieza de colección por la que se cobran sumas escandalosas, especialmente en el exterior (Estados Unidos, Europa y Japón), adonde ha llegado gran parte de estas ediciones.

Para el segundo álbum contaron con la participación de Edulfamit Molina Díaz “Píper Pimienta”, que venía de Los Supremos. El disco vio la luz en 1972 y se tituló “A la memoria del muerto”, y si bien no contó con la recepción esperada, puede ser quizá uno de los mejores en cuanto a calidad artística. La carátula del LP muestra a Fruko (inyectándose en uno de sus brazos) y su cantante sentados en un cementerio, con coloridas camisas africanas y pintas de hippies, poniéndose a tono con la revolución juvenil del momento, escena escandalosa para una sociedad que deglutía difícil y lentamente este tipo de tendencias foráneas, al punto que en el momento de hacer las fotografías, la policía los sacó del campo santo por considerarlo inmoral. La canción “A la memoria del muerto” fue el primer éxito en Colombia y “La fruta Bomba” pegó fuerte en países como Panamá, Venezuela y Cuba. Fruko y sus Tesos ya había despegado.

Posteriormente llegaron las dos voces más queridas y recordadas de la legendaria orquesta: Álvaro José “Joe” Arroyo González, de Cartagena y Wilson Manyoma “Saoko”, de Cali. El primero debutó en el disco “El Bueno” (1972), cargado de covers de Nelson y sus Estrellas, Richie Ray y clásicos de la música cubana; el segundo, en “Ayunando”, de 1973, por la línea del anterior LP, de donde se destacaron la canción “Tú sufrirás”, de Saoko, y “Mosaico Santero”, un popurrí de canciones de Celina & Reutilio muy bien arreglado, e interpretado por Joe Arroyo. Pero indudablemente el gran éxito fue “el ausente”, que se posicionó muy fuerte en emisoras y discotecas a nivel nacional. Ese mismo año se produjo “El Violento”, cuyos cortes “Tronco Seco” y “Nadando” se volvieron hits. 

 

1974 arribó con el buen LP “El Caminante”, cuyos éxitos los aportó la voz de Joe Arroyo: la nueva versión de “El Caminante”, tema originalmente interpretado por el cubano Roberto Torres; “Tania”, declaración de amor del cartagenero a su pequeña hija, tema que se convirtió en clásico instantáneo del rico repertorio salsoso de Colombia; y “El Árbol”, composición de Isaac Villanueva.

La consagración definitiva llegó con el disco “El Grande”, de 1975, una verdadera joya de principio a fin. Todos sus cortes fueron éxitos rotundos. Recordamos “Manyoma”, “Flores Silvestres”, “Los Charcos”, “Confundido”, y la canción que le dio la vuelta al mundo y que hoy, 38 años después de haber sido estrenada, continúa siendo la marca registrada de la salsa colombiana y no deja de sonar en emisoras y bailaderos: “El Preso”. Composición de Álvaro Velásquez, “El Preso” nació del drama de un amigo suyo condenado en Canadá por tráfico de drogas. La música, adaptada de un vallenato, se llevó al formato de salsa gracias a los arreglos de Luis Carlos Montoya y la colaboración de todo el grupo que aportaba sus ideas en el estudio de grabación.

Hasta la fecha ha sido el mayor de los éxitos de su carrera, representó la entrada por la puerta grande al exigente mercado latino de la música caribeña y llegó a ser considerado himno de la salsa a nivel mundial. Fruko había dado el batacazo de su vida y se había ganado merecidamente y a pulso, un lugar destacado dentro de las estrellas del género, tanto así que fue invitado a tocar en el Madison Square Garden de Nueva York para que alternara con luminarias como la Fania All Stars, la Dimensión Latina, Wilfrido Vargas y el Conjunto Libre, proeza que solo había logrado una colombiana, la baladista Claudia de Colombia. 

Su siguiente álbum fue El Bárbaro (1976), que puso a sonar “El negro chombo”, tema especialmente compuesto por Fruko para que lo interpretara Joe Arroyo, ya que era dedicado a su padre que lo abandonó. En 1977 salió El Patillero, con dos temas destacados: “Los Patulekos”, cantado por Joe, y “El Patillero”, del compositor Roberto Solano, en la voz de Saoko, de tremendo impacto en Panamá. 1978 nos regaló El Cocinero Mayor, brillante producción en la que Joe inmortalizó la canción que dio título al álbum, Saoko pegó “El árbol” y el invitado especial de la grabación, la histórica voz de la Sonora Matancera Celio González, aportó una memorable pieza, “La Borincana” (también de Roberto Solano), que inicialmente se iba a llamar “Bogotana” pero la productora quiso internacionalizarla y la letra se adaptó a Puerto Rico. En 1979 el turno fue para El Teso, donde Joe impuso “Catalina del Mar”.

Durante la década de los ochenta produjo siete álbumes, no con la misma fuerza ni éxito de los anteriores, fusiones de ritmos caribeños que tomaban rumbos distintos a lo que la banda había acostumbrado a su público, pero no por eso carentes de calidad artística: “El Espectacular” (1980); “El Mejor” (1981), donde regresó transitoriamente Píper Pimienta a reemplazar a Joe que había lanzado su primera producción como solista; “El Genio” (1982), donde vuelve Joe Arroyo en su última grabación con Fruko y con el debut de un jovencito Juan Carlos Coronel; “El Salsero Mayor” (1983), con las voces nuevas de May González y John Jairo Murillo, y la inclusión especial de la India Meliyará en el corte “Amigo”; “El Magnífico” (1985), en el que Joseíto Martínez hace su aparición; “Contento” (1987), nuevamente con Martínez y la participación especial del bolerista cubano Orlando Contreras; y “El Padrino de la Salsa” (1989), con Willie Calderón como nuevo intérprete. Wilson Saoko estuvo presente en las anteriores producciones, a excepción de “Contento”.




El decenio de los noventa llegó con un interesante proyecto: hacer cuatro álbumes que rescataran lo mejor del cancionero caribeño por ritmos, especialmente dedicados a la música cubana y a sus inmortales figuras. La idea se materializó en 1993 con el estrenó del álbum “Mambos”, que recordó la música dorada de Pérez Prado y del “Bárbaro del ritmo”. La era de Los Tesos había culminado e iniciaba la de Fruko & Orquesta. El disco contó con la participación de los cantantes Antonio González y Johnny Moré. El año siguiente lanzó los otros tres discos: “Pachangas”, cuyo repertorio incluía éxitos de Joe Cuba, Joe Quijano, Richie Ray y La Plata Sextet. Además de González y Moré, cantaron Óscar Quesada y Robin Espejo; “Sones y Montunos”, con el retorno de Wilson Saoko y el debut de “Chucho” Nuncira quienes remembraron joyas del Trío Matamoros, Tito Puente, Ñico Saquito e Ignacio Piñeiro; y “Guarachas, Guajiras y Boleros”, en donde repitieron Saoko y Nuncira, esta vez cantando clásicos de Rafael Hernández, Arsenio Rodríguez, Portabales, Miguel Matamoros y Joseíto Fernández. 

El reinado del acetato había llegado a su fin y sus próximas producciones solo saldrían en CD. Las nuevas tendencias musicales foráneas, la fiebre del merengue, el auge de la salsa romántica-erótica y la piratería estaban pasando factura al boom de la salsa brava. Las ventas de los discos habían caído estruendosamente y los tiempos eran difíciles para la industria. Sin embargo, Fruko continuó grabando y lanzaría varias producciones más: “Esto Sí es Salsa de Verdad” (1999), “Power Salsa” (2000), “Somos Salsa (We Are Salsa): Latin Treasures In Hard Salsa” (2002), “Pa’ Gozá Con Fruko” (2003), “La Máquina del Sabor” (2004), y “Fruko Power” (2006), producciones donde presentó las voces de Delfo Barrientos, Álvaro Pava, el panameño Gabino Pampini, Daniel Silva, Luis Moyano, Morist Jiménez, Harold Pálaez, Luis Moreno, la cubana Raquel Zozaya y el “Faraón” Óscar De León.

Hay tres álbumes que por lo general no aparecen en su discografía pero que merecen ser tenidos en cuenta: “Oriza”, de 1971, en el que además de Fruko incluyeron temas de otras orquestas como Ralph Roig, Dee Jay, Louie Ramírez y Félix Caraballo, en donde se compilaron números grabados con Píper Pimienta pero que únicamente salieron al mercado en discos de 45 r.p.m: Oriza, Yo No Vuelvo A Querer, Dame Un Break, La Chica Del Barrio Obrero, y Algo Pa’ Gozá; “Fuentes All Stars” (1975), de artistas varios, que compila otros números extraviados en los pequeños discos de 45: No Me Dejan Quererte, Entre Marido y Mujer, y Negra Del Campo; y “Full Salsa Para Gente Rumbera Vol.1” (1976), disco raro que contiene una canción por cada lado (Full Salsa 1ª Parte y 2ª Parte), suerte de sesión improvisada. Más recientemente, Discos Fuentes editó el LP de Joe Arroyo, “La Voz, Bolero y Salsa”, que incluye 10 cortes, algunos inéditos, del cartagenero con Fruko Y Sus Tesos: Canta Mi Corazón, Caifaz, Y Cuando, La Lotería, Volvió A Mentir, Ayúdala Por Favor, Sentencia China, Pa´Borinquen, Congo, y Volver A Empezar.

Además de Los Tesos, su carrera se extiende a otras agrupaciones como los Corraleros de Majagual, Los Diplomáticos, The Latin Brothers, La Sonora Dinamita, Afrosound, Wganda Kenya, Banda La Bocana, Los Tupamaros y La Sonora Carruseles. Con más de 48 años de vida artística, un olfato agudo para descubrir nuevos talentos, ejecutor de 25 instrumentos musicales, más de 42 álbumes, 8.000 grabaciones como compositor, músico, director de orquesta, arreglista, ingeniero de sonido o productor, giras por alrededor de 70 países y 250 ciudades, premio de la revista Record World a mejor orquesta tropical de América, indudablemente Fruko es el más grande de Colombia. 

 

Julio Ernesto Estrada no fue el primero en hacer salsa en el país, eso es algo que está lo suficientemente claro, pero sí fue el primer colombiano que alcanzó la gloria gracias a este ritmo y la internacionalizó. Por eso resulta lamentable que algunos “eruditos” se empeñen en mirar con displicencia y mezquina prevención el trabajo del paisa por cuestiones regionalistas. En cierta ocasión, un reputado coleccionista costeño dijo “Qué va, antes de Fruko estuvo Roberto de la Barrera y Michi Sarmiento, la salsa colombiana nació fue en la costa”, lo cual puede ser cierto, pero con el respeto que se merecen estos dos artistas planteo el interrogante: ¿Ellos también alcanzaron el éxito y reconocimiento que obtuvo Fruko a nivel mundial? Ese es el punto.

Antes de Fruko escuchamos guarachas de la Sonora Dinamita, danzones y guajiras de Lucho Bermúdez, salsa al peculiar estilo de Aníbal Velásquez y Chico Cervantes, los mismos Corraleros de Majagual hicieron “Quemando”, Pedro Laza grabó con Daniel Santos, René Grand puso a sonar “Mambo Cool”, en fin, el movimiento ya se había iniciado, pero Fruko fue quien se consolidó como el abanderado de la salsa de Colombia en el exterior.

Hoy, 7 de julio de 2013, a 62 años de su nacimiento, quiero rendirle un sencillo homenaje al hombre que cimentó las bases para que Colombia trazara el sendero del éxito en el mundo de la salsa, reconocimiento que inconcebiblemente está en mora de hacerse por parte de sus colegas, de sus compañeros de época, de la casa disquera que en gran parte vio incrementar sus utilidades gracias a su extraordinario talento, de un país que históricamente ha padecido amnesia e ingratitud con sus luminarias.

Feliz cumpleaños maestro Fruko. Solo nos resta decirle: gracias por tanta tesura

 

Por: John Jairo Usme

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Domingo Quiñones de nuevo al ruedo con su salsa

Domingo Quiñones de nuevo al ruedo con su salsa

El sonero Domingo Quiñones ya se deja escuchar en las ondas radiales con el tema A veces, primer sencillo de su nueva producción discográfica.

Este álbum fue producido por el cantautor y sonero Víctor Manuelle, quien también tuvo a su cargo la selección de la mayoría de los temas incluidos.

“Esto es algo emotivo para mí porque Víctor fue mi corista y se ha convertido en uno de los íconos de la salsa para jóvenes y no tan jóvenes. En lo personal, es algo para mí muy grande y, en lo profesional, también, por su posición dentro de este mercado y por su disciplina”, reveló Quiñones a Primera Hora en una entrevista reciente.

“Este es el disco, después de Se necesita un milagro, más completo y es volver a la época de temas como Tú cómo estás”, amplió. El también actor no lanzaba un álbum desde Conquistador de corazones, que salió a la venta en 2009.

Rubén Blades refrescará el verano neoyorquino

Rubén Blades refrescará el verano neoyorquino

 Julieta Venegas y Rubén Blades planean refrescar el caluroso verano neoyorquino participando en la Conferencia de Música Latina Alternativa, un acontecimiento anual que trae sonidos de funk, música electrónica, hip hop o el más clásico rock and roll a los parques y salas de conciertos de Nueva York.

Venegas deleitará a sus fans en Central Park el sábado con algunas de sus últimas composiciones y sus antiguos éxitos, en un concierto gratuito junto a la también mexicana Carla Morrison.

Blades no mostrará esta vez su talento musical: charlará durante una hora sobre el mundo de la música y su carrera con Gabriel Abaroa Jr. , presidente de la Academia Latina de la Grabación, que otorga los premios Latin Grammy.

El rapero de origen puer torriqueño y cubano Fat Joe, los venezolanos ViniloVersus, Cuarto Poder y La Vida Boheme, la mexicana Lila Downs y el chileno Alex Anwandter forman también parte del festival, conocido como LAMC, por sus siglas en inglés.

‘La música latina alternativa es tantas cosas. . . puede ser una banda de salsa, como puede ser hip hop, como puede ser punk rock, o una banda electrónica con sonidos futurísticos. Es interesante y difícil tratar de poner toda esta música bajo la misma bandera, pero también es lo lindo. Lo veo como que hay algo acá para todos’, dijo Tomás Cookman, presidente y cofundador de LAMC, durante una entrevista con AP.


tomado de la Estrella Panamá
Fuente AP noticias
foto de Erick Marciscano

Cheo Feliciano hace aclaraciones sobre su estado de salud a través de la Z Puerto Rico

El músico reconoció la aparición de “células cancerosas misteriosas” en su hombro e hígado y explicó el cómo de su descubrimiento. La revelación fue realizada en exclusiva en el “El Show del Cacique” de la emisora Z-93 de Puerto Rico.

En el programa el intérprete de “Amada mía” añadió que el cáncer en el hombro “apareció de puro accidente” y que ya fue tratado.

Cheo Feliciano reveló que fue a raíz de que se le “saliera” el hueso del hombro que se descubrió el padecimiento de cáncer. “Yo me agarré de la agarradera del carro para salir de él e hice una mala posición. Me halé y el hueso del hombro se me salió y estrilló”, dijo el artista. En ese momento pensó, sin embargo, que se trataba de un desgarre.

A las dos semanas del incidente, Feliciano acudió el médico, quien le recomendó que se hiciera una prueba de resonancia magnética que reveló la presencia de las células cancerosas. Luego, salió a relucir que también tiene un “nódulo en el hígado, pero es pequeño y también se va a metabolizar. Por eso te digo que hay fe de que en un par de meses yo voy a estar bien”, explicó, ya que está recibiendo quimioterapia.

El tratamiento para el cáncer en el hígado, asegura, se podría extender entre tres y seis meses o hasta un año. Ante la situación por la que atraviesa, el cantante ha pedido privacidad para él y su familia mientras convalece por una fiebre que le dio luego de que fuese atendido por una pulmonía. Afirma, sin embargo, que se encuentra lleno de fe y energía para “meter mano”.

Tomado de Tropicana

Porfi Baloa se impone en el ámbito musical con el tema “Deseo”

Porfi Baloa se impone en el ámbito musical con el tema “Deseo” 

Porfi Baloa no para su agenda de presentaciones en el exterior y es requerido constantemente por mercados como Perú, Ecuador, Chile, República Dominicana, Colombia, México y Estados Unidos, sin olvidar su mercado madre, Venezuela, en el que participa en distintas ferias y conciertos en el interior de la República.


Recientemente en Veracruz, México, fue la sensación en el “3 Festival Internacional de Salsa”. En Nueva York ha repetido presentaciones debido a que agotó la taquilla y dejó una estela de seguidores por verlo en la Gran Manzana.

Solo artistas como Oscar D’León, Ruben Blades, Tito Rodríguez, Willie Colón, Celia Cruz, Frankie Ruiz, Héctor Lavoe y Andy Montañez han logrado en la ciudad de los rascacielos imponerse en más de dos fechas de lleno total en los aforos, dejando a más de un centenar de personas fuera por querer apreciar sus conciertos y, Porfi Baloa lo ha hecho.

En la lista de top salsa, su tema “Deseo” sube como la espuma. Este sencillo urbano, social y con mucho sentimiento es extraído del CD “Punto y seguimos” que Baloa editó bajo el sello Sonográfica que rápidamente se ha colocado entre los 5 CD´S de salsa más vendido del año en Venezuela. En México lideró la lista de los más vendidos, seguido por Perú y Ecuador.

La magia del maestro Baloa se viene consolidando en Estados Unidos desde que sus canciones: “Reclamando nuestro espacio”, “Persona ideal”, “Virgen”, “Me negó”, “Aquel lugar”, “Anhelo”, entre otras; se han hecho popular y muy famosas en el mercado latino, que le ha permitido recorrer el país

norteamericano varias veces y con gran éxito.

El pasado mes de febrero agotaron la taquilla en Nueva York y ahora nuevamente la historia se repite.
Sin duda que el sonido unipersonal, original de hacer salsa con sello Adolescente le ha valido al maestro ser único y grande entre los grandes productores, compositores y arreglistas del genero Afrolatino en el mundo.

No en vano ha ganado más de 87 premios internacionales incluyendo 4 nominados a los premios Billboard y 3 nominaciones al Premio lo Nuestro.

Hoy por hoy Porfi Baloa lleva el récord de tener más de 67 primeros lugares en el Hit Parade Venezolano autentificado por Record Report, y un gran número de éxitos a nivel mundial gracias a sus creaciones.


Tomado de noticias 24

Celia Cruz, desde el cielo con su tumbao

 

 

La Reina de la Salsa. La Guarachera. La Leyenda de Cuba. De inmediato estos títulos traen a la mente a Úrsula Hilaria Celia de la Caridad Cruz Alfonso de la Santísima Trinidad, mejor conocida como Celia Cruz, su nombre artístico.

También traen a la mente un sinfín de canciones y más de 80 discos grabados que se tradujeron en discos de oro y platino de esta cantante cubana de son montuno, guaracha y salsa, que desarrolló su carrera en Cuba, Colombia, Venezuela, México y Estados Unidos.

Hace 10 años, un día 16, partió a otra dimensión pero su voz y su legado siguen tan presentes que no se vislumbra quién pueda sucederla.

"No veo ninguna sucesora. Celia tuvo un tiempo y un espacio, entre otras, muy prolongado. Empieza en 1950 y va hasta el 2003 y fácilmente hasta el 2008 cuando siguieron saliendo cosas. Abarca un tiempo tan largo, una variedad musical tan grande que no veo que haya una artista con esa capacidad tan grande", afirma Julio Eduardo Ramírez, melómano, coleccionista y realizador de jazz en Latina Estéreo. Y agrega de manera contundente: "Sinceramente no veo sucesora. Y en el momento actual de la música, menos. Creo que ese trono seguirá vacío por mucho tiempo".

El escritor cubano Carlos Olivares Baró, residenciado en México, recuerda así la fecha de su fallecimiento el 16 de julio de 2003: "Diez años sin ¡Azúcar… ¡Bemba colorá… ¡El yerberito llegó… Celia Caridad Cruz Alfonso (Habana, ¿1921? – New Jersey, 2003), cubana hasta la médula, llevó -durante más de 50 años- a todos los rincones del planeta la sandunga de la Isla que la vio nacer. 22 Discos de Oro. 4 Premios Grammy. Cao Cao Maní Picao y Burundanga, sus primeros éxitos con La Sonora Matancera. Su vida, una larga guaracha sabrosona. Comenzó cantando un tango y terminó con una conga fusión timba/hip hop/reggaetón: la negra siempre tuvo tumbao. ¡Azúcar"…

Celia fue una mujer que trascendió durante 60 años con unas características muy especiales, "como la figura más importante de la música del Caribe en género femenino", recuerda Julio Eduardo Ramírez.

Y se suma a la descripción que hace Olivares Baró en el sentido de que le reconoce a ella su capacidad de adaptarse a innumerables géneros. "La comparo con el trompetista de jazz Mike Davis. El se fusionaba bien con quien fuera, y así era Celia: lo mismo funcionó con grupos como la Sonora Matancera que con los Fabulosos Cadillac. Tenía una capacidad impresionante para permear cualquier grupo o cualquier época con mucha facilidad".

Independientemente de reconocerle una potente voz y gran cadencia, Julio Eduardo la recuerda también por su "gran impacto mediático y una capacidad para llenar los escenarios como pocas personas lo hacen".

El éxito lo logró por la combinación de varias facultades, precisa Cristóbal Díaz Ayala, el gran historiador e investigador cubano. "Una potentísima voz de mezzo que no mermó con el paso de los años, un sentido musical y rítmico únicos, una disciplina férrea en su vida privada (no bebió ni fumó jamás) el carácter optimista, y un orgullo profesional de concertista de música clásica".

Al igual que expertos matanceros como Francisco Gutiérrez Barreto, Humberto Valverde, Orlando Oganes, Héctor Ramírez Bedoya, Humberto Corredor y Enrique Bolívar Navas, Díaz Ayala dice que Celia comenzó cantando tangos, como Nostalgia, de Cadícamo.

"Al principio de su carrera cantaba tangos, pasando después al género afro-cubano y definitivamente a todo el espectro de la música bailable cubana, desde el bolero hasta el son, pasando por la guaracha y la conga", afirma Cristóbal Díaz Ayala.

En el Diccionario de la Música Española e Hispanoamericana, Díaz Ayala explica la carrera artística de Celia en dos etapas: hasta mediados de los años 70, cuando es conocida como "La guarachera de Cuba", y con notable éxito, es la encarnación de determinados géneros de la música cubana. Pero de ahí en adelante, a una edad en que la mayoría de los artistas están por retirarse, alrededor de los 50 años, se convierte en la reina indiscutible del movimiento salsero, incorporándose sin ninguna dificultad, a nuevos arreglos, a grupos orquestales de más fuerza, a nuevos hábitats (como conciertos al aire libre con miles de personas), a compartir con diferentes cantantes y orquestas continuamente, y a viajar vertiginosamente por todo el mundo, a cantar y bailar en el escenario, como si tuviera 20 años". La leyenda sigue viva.

 

 

el Colombiano - Por LILLIANA VÉLEZ DE RESTREPO

Ismael Miranda deleitó al público salsero en su 45 aniversario

“El niño bonito de la salsa” calentó el invierno de Lima con un recuento de su vasta carrera músical.

El cantante puertorriqueño Ismael Miranda inició en el Perú su gira por su 45 aniversario artístico en una noche en la que cientos de sus fanáticos gozaron con sus sabrosas canciones. Sin embargo, no sería recién hasta las 2:45 a.m. que aparecería en tarima.

La fiesta empezó a las 11 p.m. con el show de la orquesta Mambelé, en cuyo repertorio destacaron covers del Gran Combo de Puerto Rico, Frankie Ruiz, Sonora Ponceña, El Grupo Niche y Héctor Lavoe. “Un verano en Nueva York”, “La cura” y “El rey de la puntualidad” fueron las más bailadas.

A las 12:45 a.m. hizo su ingreso al escenario la peruana Laura Mau, quien con su tema ‘Deseada’ presagió una buena noche de rumba. La sonera le dio paso a Melcochita quien con “Palo pa” rumba” hizo parar de sus asientos a los asistentes a Scencia de La Molina.

Además, improvisó con los timbales haciendo un show al estilo Tito Puente lo que desató el aplauso de los asistentes. Culminado dicho tema Adalberto Santiago su buena cuota salsera. Conforme avanzaba la noche, el cantante de 76 años terminaba de poner de pie al público.

“La noche más linda”, “Vive y vacila”, “Hay algo en ella” retumbaron el local acompañados de cánticos y frenético baile. No obstante, ello solo era la entrada de una cena salsera que tenía para rato, pese a algunos desatinos en la orquesta.

Adalberto sorprendió a los asistentes al llamar al escenario a Laura Mau y al grito de “un, dos, un, dos, tres”” los músicos dispararon el tema “Nadie se salva de la rumba”, tema que Santiago popularizara con la “Guarachera de Cuba” Celia Cruz.

A las 2:47 de la madrugada y con una introducción especial a su presentación, ‘El niño bonito de la salsa’ se hizo presente desatando la euforia de sus fanáticos. Estaba elegantemente vestido con un terno plateado. Y como 45 años de vida artística no se celebran así nomás, retribuyó a su impaciente público de la mejor manera.

“Abran paso” fue la primera canción de la noche. Con esa voz inconfundible y fiel a su estilo, Ismael tomó posesión de la tarima, yendo de un lado a otro del escenario a cantarle a su público que intentaba estrecharle la mano.

“Gracias por estar con nosotros en esta celebración por mis 45 años. Este es el país de Sudamérica donde hacemos el show. Estamos felices de estar aquí, un lugar donde sabemos que no solamente conocen nuestra música, sino también que nos reconocen a nosotros como los mejores cantante del mundo. Esta es la capital de la salsa”, resaltó.

La noche continuó y con ella salieron al paso clásicos como “Tiene montuno”, “Ahora sí”, “Señor sereno”. Aproximadamente a las 3:40 a.m. Ismael interpretó “Mi niña bonita”, tema del bolerista peruano Lucho Barrios, y con lo que Miranda dio una muestra fehaciente de la versatilidad de su voz.

Cabe destacar que anoche Ismael no se presentó con su orquesta, por lo que tuvo que alternar con la agrupación peruana Mambelé, que contó con 16 músicos. Aunque hubo algunos desatinos, especialmente en el teclado, la orquesta respondió. Los músicos que más destacaron sobre la tarima fueron los que estuvieron cargo de los instrumentos viento y entre los que resaltaron dos trompetas, dos trombones y un saxo.

“Para componer un son”, “Madre”, “Cipriano Armenteros”, “Galera tres” y “María Luisa” cerraron una noche salsera que bajó su telón acariciando el amanecer y que fue retribuida con cánticos y mucho baile, cosas a las que “El niño bonito de la salsa” nos tiene acostumbrados.

Y si rememoramos el famoso tango en el que Carlos Gardel decía que veinte años no es nada, anoche Ismael con su enorme derroche de talento y esa picardía que mantiene intactos, demostró que 45 años tampoco es nada.


por ANTONIO ÁLVAREZ FERRANDO 
tomado de la Crónica

El artista internacional Willie Colón estará en Santa Marta

Para la celebración de la Fiesta del Mar 2013 en Santa Marta se tiene prevista la visita del cantante internacional Willie Colón, quien con su repertorio musical llegará a cantarle a los samarios y visitantes.
Colón es un cantante, compositor, arreglista, productor y trombonista estadounidense de origen puertorriqueño, considerado uno de los creadores y pioneros de los géneros musicales del Caribe que posteriormente se conocieron como "salsa".

Con sus temas "Amor verdadero", "Sin Poderte Hablar", "Usted abuso", "Buscando guayaba", Ah Ah o No, "Oh qué será", La Murga, entre otros le dará un toque verdadero a la Fiesta del Mar.

Así mismo entre la lista de los artistas que estarán en los eventos de esta festividad estará presente el cantante de música vallenata Pipe Peláez, con sus grandes éxitos "Borracha", "Lo tienes todo", "Quiero enamorarme de ti", "Loco", "Cuando vuelvas", "Caminaré", "El amor más grande del planeta".

Es de recordar que Peláez ha tenido una gran trayectoría musical logrando ocupar uno de los primeros lugares en las emisoras radiales del país.

Hasta el momento solo se tiene conocimiento de la asistencia de estos dos artistas, los cuales llegarán a la ciudad a enamorar a sus seguidores.

Tomado del informador